黑天鹅

《黑天鹅》几乎成为今年最为热门的文艺片了，阿罗诺夫斯基是个异类的杰出导演，他能用400万美元拍出惊世骇人的《梦之安魂曲》，所以《黑天鹅》出自他手，自然一点都不让人震惊，其风格与罗曼波兰斯基有些近似，电影风格偏为的古典，而《黑天鹅》基本上可以算为阿罗诺夫斯基的作者电影了，阿罗诺夫斯基的电影都偏爱于人性的挖掘，电影基调一直较为的灰暗，而《黑天鹅》全片都很压抑，除去室内戏，影片大多数时候都是在晚上拍摄的，整体较为的阴郁。

天鹅是一种较为敏感不安的珍禽，而影片中的娜塔莉波曼正表现出了一种天鹅的气质，敏感不安，而又高雅。

此片的问世，应该可以把阿罗诺夫斯基归为“准”大师的行列了。

想说，看了以后百般不喜欢。

不是不喜欢，只是无感。

想给两颗半星，豆瓣没这设置，给了三颗。

觉得亏了。

不知道为何，豆瓣上如此多的人追捧，甚至有很多我很喜欢的友邻赞不绝口。

但，这并不是一部我喜欢的电影。

这几年都不敢在豆瓣评论。

说喜欢，被猜疑；说不喜欢，又会被攻击。

不过随便好了。

不喜欢。

一开始还心怀侥幸，觉得没有交代的地方是悬念。

我错了。

这本来是一个情节很简单明朗的故事，要说清很容易。

要故意说不清，也有说不清的讲法。

惊悚最常见的方式是悬疑，悬疑最大的关键在于兜圈子和抖包袱（想到三苏，他在这点上做得太好）。

如果不屑于此，也有更紧凑的套路。

仿佛要讲点什么又什么都点到为止一带而过，让你怀疑所有人又在你准备怀疑前打消你所有念头。

这种方式拍惊悚片，还真是矜持。

所以首先这是个失败的故事，然后这是个失败的惊悚故事。

没有故事，没有情节，没有恐怖。

首鼠两端的精神分裂，在欲望和克制上的顾影自怜，晃动的镜头和突然反打的招数，让我以为是落魄的法国导演流亡好莱坞不得不屈尊于主流，又找不到主流的定位究竟在哪里。

要么[两生花]，要么[孤儿怨]。

你不能跳一支芭蕾舞就企图俘获所有观众。

但它要讲的东西我明白。

这就是大型考试前的一场噩梦。

梦见考试迟到，梦见进错考场，梦见答满的试卷写着别人的名字。

紧张。

慌乱。

犹疑不定。

又忍不住怀有一丝期望。

在镜子前面不断不断对自己说你能行你可以的，却在睡前关灯的一刹那涌起无限绝望。

片尾时心底泛起淡淡哀矜，于人于己。

音乐很好，演员太漂亮。

[天鹅湖]这个故事本身又萌又虐。

仅此。

天鹅湖我看过至少四次，每一次看都是不同的感觉。

我第一次看是好像是初中，政治课上老师讲人民有钱了，就要搞搞精神生活，比如听听交响乐，看看天鹅湖。

那时，觉得看天鹅湖是属于领导的摆谱装文化的招式之一，怀着这样的心情，我在电视上看了一遍，心理觉得自己算是有见识的人了。

我第二次看是在大学时，那时自己天天梦想自己成为半调子的摇滚喷青，满腔热血的参加到谁是最伟大的音乐家的争论中。

于是弄了张英国女王专场版的DVD，只当是文青功课。

那场黑白天鹅是二个人。

我发现自己挺喜欢这黑天鹅的。

你说看了一场子的白天鹅，一个个都像道貌岸然的学生干部。

黑天鹅多性感，多金属啊。

看显示器上观众们热泪盈眶的激动，我突然有一种幸灾乐祸的快乐。

我为自己的另类而自豪。

我第三次看时是在英国看的莫斯科团的现场。

那时在英国漂了一年多了，满脑子的都没完没了烦心事，对付完了论文，便去看天鹅湖了。

这次最大的感觉是恍惚。

当我挤在场子的一角时，我己经不记得自己在哪了，现在是什么时间了。

在显示器前的时候，我能感觉到我是在看真人在跳舞。

可是当我看真人跳时，我就觉得演员和剧院都像气体一样，我只是漂浮在其中。

我徒劳的左右摆，觉得从不同角度看能看到显示器上的效果，从而断定眼前的不是真实的。

可是，我最后还是不得不承认，这的确是真人，是真实的表演，眼前的不是像素，是一个个会呼吸的真人，尽管让人觉得世界不真实。

一连几天，脑袋里都像过幻灯片一样，觉得自己只是一个概念，像一团气体。

至于世间的烦恼，早就忘光了。

这一场，黑白天鹅是一个人演的。

我看时没发觉出来，只是谢幕时找黑天鹅没找到，白天鹅谢了两次。

我第四次看天鹅湖是在飞机上。

家中出了大事，回国又被各行各业折磨了一烦。

在回英的飞机上，烦得想冲人大喊大叫，砸玻璃从飞机上跳下去。

那个时候所有的声音在我听起来都是刺耳。

机上的一切娱乐节目对我都没效。

只有天鹅湖这段能让我静下心来，因为不知为什么我觉得我从中听出了孤独和苦难的味道来。

以前我总觉得天鹅湖的故事只是一个老调的童话。

可这次听来，我觉得其实老柴自己的故事。

真正的白天鹅其实是老柴，王子其实是指你我一样的观众。

悲剧其实是因为的王子。

实际上我看黑天鹅的故事时，我觉得这个故事其实就是在帮我们理解天鹅湖。

故事开始说女主能演好白天鹅，演不了黑天鹅。

其实老实说，我觉得女主其实白天鹅也没理解多少。

女主眼中的白天鹅只是优美，没有错误。

对女主来说，演天鹅只不过是幸福中的一朵小红花而己。

虽然很努力，但却不理解白天鹅身上厄运和苦难的一面。

女主是在城堡里的白天鹅，而天鹅湖中的白天鹅一开始就是被恶魔控制的。

有时我总觉得开始时的女主与说是天鹅，不如说是王子。

与其说是天鹅的化身，不如说是初识公主的王子。

王子被黑的引诱，女主也就一点点的理解了黑天鹅的魔力，一点点的理解了黑天鹅，黑天鹅演得越来越好。

只有你理解了黑天鹅的魔力的时候，你才理解白天鹅的无奈和痛苦。

女主最后所说的完美，我觉得不是说演好了黑白天鹅，而是它成为了完美的白天鹅，一只拼命挣扎的白天鹅。

王子迷上了黑天鹅，失去了白天鹅。

女主为了自己演好黑天鹅，杀死了白天鹅的自己。

女主即是故事里的天鹅，也是故事里王子。

我总是觉得天鹅湖之所以经典不是因为白天鹅多漂亮，而是因为它把白天鹅描绘成王子得不到的。

有一种美好是不属于人的，因为人的智慧上的无知，因为人性格上的软弱。

即便人拼命的挣扎，那种美好也只能留存世上一瞬而己。

如果有一天，《黑天鹅》这部电影成为善良的妈妈们反对女儿学习芭蕾的经典教材，我丝毫不会感到奇怪。

《黑天鹅》带来的是一个长达103分钟的噩梦，一个失败舞者的内心恐惧被导演极度放大，以对手指、身体、精神的持续摧残不断挑战观众的神经承受能力。

紧张的呼吸，激烈的反应，淡漠的人际关系，没有任何爱意的性唤起，现实与幻境的反复转换，这些乏味的桥段如同一堵铁青色的水泥墙壁，撑起了一个追求所谓艺术成功的脆弱路径，却无法附着一个电影角色和电影观众都需要的丰满故事。

令人痛苦的是，导演似乎很陶醉于在这面墙壁上一遍遍地划拉手指甲，以为观众受到了折磨就是成功。

必须承认，导演是一个细节渲染的高手，同时也是一个让全局失控的惯犯。

说到底，一个演员对舞台的看重与恐惧、对自我的体认与质疑，在一个普通观众那里并不难得到理解。

现实社会中，每个人都有自己的舞台和属于自己的表演时刻，电影中的演员何尝不是电影之外的观众自己？

但更因如此，这种心理紧张绝不能铺满整部影片。

但现实是，娜塔莉波曼惊魂未定的表情让我们从头一直紧张到尾。

观众没有时间去感受情感的累积，更感受不到情感的宣泄。

从一开始，导演就把所有观众拎起来放到一根钢丝绳上，一站就是100多分钟，期间的主题只有一个，即：看一个抓狂的舞者如何把一堆观众同样折磨到抓狂。

本来，女主角如何把纯洁的白天鹅与邪恶的黑天鹅融于一身——这还算是一个不错的戏中戏嵌套，但是，这在导演手下并没有得到真正相对应的刻画。

在导演的镜头下，女主角单调贫瘠的生活背景本就不足以支撑她去完成那样一个多面的角色，但她却不幸的得到了它。

我们看到是，一个偏执的舞指是如何用霸王硬上弓的猪油蒙了他那颗原本要去感知天赋的心。

他貌似要给女主角一个证明自己的机会，但看上去更像是要证明他自己的判断。

导演将其拧巴的“作男”思路，成功地演绎成一条自虐式的芭蕾“苦旅”（某国也有什么文化苦旅吧），它的作用不只是在银幕前推出了一个丑陋的“作女”，还大力消解了芭蕾在很多人心中的原有美感。

不需多言——专业演技外加专业的舞姿，娜塔莉波曼作为一个演员的确成功了，但这整部《黑天鹅》并没有轻盈地飞起来，而是以一种极为沉重、痛苦的方式把观众带入了深渊。

《黑天鹅》的成功是毋庸置疑的。

双重人格的互相博弈历来都容易受到高智商高情商观众的追捧；关于性隐喻和性探讨的题材则迎合了人的原始本性，具有很强的挑逗性；悬疑和惊悚元素的巧妙植入为影片带来了强烈的戏剧感；优雅华美的芭蕾舞和世界名曲的交相辉映又让影片充满了知性感和优越感。

以上种种，都使得《黑天鹅》成了一个“高端产品”，它代表的是时尚和优雅，高贵和正统，在评论界和影迷中受到好评是再自然不过的事情，就《黑天鹅》的整体品质来说，它受到的赞誉几乎都是实至名归的，我毫不犹豫地喜欢上了这部电影，但是个人认为相对于整体影片的出色，被人们倍加赞誉的娜塔莉.波特曼的个人表现其实并非如传说中的那般惊艳，我并不同意娜塔莉.波特曼所受到的所有赞誉，即：这是一部顶级电影，但并非一次顶级表演。

双重人格的精彩博弈 无论从哪个角度去看，影片对于女主角妮娜的双重人格的表现都是巧妙的，既充满抽象的象征色彩，又创造出鲜明的影像对比，如此具有艺术气质的《黑天鹅》已经早早地具备了成为经典的潜质。

芭蕾舞演员妮娜在权威母亲的长期压制之下，形成了温婉恭顺的外表，当然这只是表象。

家庭环境和成长经历对于一个人的性格塑造是有决定意义的，权威压制和挫折打击之下，很容易把人谋求生存空间和满足各种欲望的天性掩盖起来，在适当的温度和土壤中，被压抑的本性会以加倍的破坏力爆发，“外表是天使内心是魔鬼”就是对这种人格异常的生动描述。

假使影片只是通过常规的表现手段去表现妮娜的这种精神特质，即使再深刻也不过是一部充满悲情色彩的常规伦理道德影片。

在这里，达伦.阿诺罗夫斯基给妮娜的人格分裂提供了一个出人意料的表现方式——芭蕾舞剧《天鹅湖》中黑白天鹅的角色之争，一白一黑一正一邪。

妮娜的人格异常融入到舞剧中的假想角色中，把现实中无法形象地实现的人格裂变通过唯美的芭蕾舞剧彻底实现。

虽然妮娜在天鹅皇后的角色之争中暴露了她暴戾的充满恐怖色彩的另一面，但当她在舞台上成功地诠释了黑天鹅这个角色时，也意味着她多年来被束缚的女性欲望和真实人性得到艺术性的完美释放，这对于一个艺术工作者而言，死得其所，死而无憾。

影片借助舞台角色和迷离的幻想情境，让妮娜这个人物裂变过程充满惊悚感和隐喻性，一方面妮娜需要和自己被长期隐藏的阴暗面做斗争，另外一方面这种带有功利性质的阴暗面也正是大多数人与生俱来的本性，舞台上的天鹅皇后之争也是真实中的人性博弈，很少有人愿意心甘情愿地退到人生舞台的边缘，因为站在那里的人是得不到掌声和鲜花的，舞台如此，人生亦如此。

妮娜最后在精神迷乱中杀死的竞争者莉莉其实就是自己——这个情节堪称神来之笔，假如妮娜的确是杀死了真的莉莉，那么她的最后裂变就带有了无法洗净的罪恶，当我们明白死亡的人是她自己时，随后而至的和现实人物心理变化丝丝入扣的芭蕾舞表演让妮娜的死亡有了一种凤凰涅槃般的悲情和唯美，这时我们生出的情感只有同情惋惜而没有厌恶憎恨——凌空一跃的妮娜在肉体上死亡了，但在精神上却复活了，一部带有魔幻现实主义色彩的经典悲剧也诞生了。

暧昧而严肃的性话题 《黑天鹅》除了对双重人格的精彩描述之外，还在妮娜的温婉和狂放之间巧妙地引入了性问题的探讨，在很多时候，被压抑的生活也意味着被压抑的性，一个精神上封闭的人一定在性行为上也是不健全的。

反之，一个长期性压抑的人在外在表现上也一定难以做到热情奔放，这就是片中芭蕾舞导演托马斯诱惑妮娜放纵自己的真实意图，在影片中托马斯对妮娜或许存在暧昧感情，但是他从艺术表演的角度去引导妮娜的性心理却是具有科学性的。

只有当妮娜完全释放了自己对性的幻想和认知，她才能从灵魂深处完美诠释邪恶放荡的黑天鹅。

很多艺术家在性活跃期的同时也是创作的高产和高质期，这种现象虽然有其丑陋的一面，但却是现实存在的，这和影片中妮娜的艺术升华很可能是殊途同归的。

所以《黑天鹅》看似有些俗套和有功利性质的性场景，实际上却对影片角色的深度诠释十分有必要，而且它生动地说明了艺术和性有时的确难以割裂。

妮娜在母性权威的压制之下，所经历的成长过程的压抑性是可想而知的，我们可以想象她的恋爱是多么乏味她的青春是多么寂寞。

而妮娜的母亲实际上在很多时候是以父性的权威面貌出现的，于是这种性别环境的混乱造成了妮娜在性取向上的模棱两可，她既在托马斯的诱惑之下难以自持，又在莉莉的鼓动之下对其产生了同性幻想。

《黑天鹅》在表现妮娜的艺术和精神追求的同时，也不啻是一部关于受压制女性性觉醒的伦理片。

带有魔幻色彩的悬疑和惊悚 《黑天鹅》的基调是黑暗的，而《天鹅湖》这个具有世界性影响的艺术作品的植入，为影片的黑暗增添了一种华美的色彩。

在这种华美的黑暗之中，妮娜恍惚的精神幻想使得影片的悬疑和惊悚风格变得顺理成章，她背后的伤痕既可以看成是她内心的幻觉，也可以看成是影片给我们的暗示，那意味着她内心深处的另外一只黑天鹅在不断挣扎，一直试图冲破她单纯柔弱的外衣，直到在舞台上最后生出诡异美艳的黑色羽翼，把我们带入了一种亦真亦幻似是而非的影像世界。

她的母亲、莉莉、托马斯以及她自己之间不断变换的异常外表不时制造着突如其来的惊恐，这些都让《黑天鹅》成为一部有商业看点的艺术佳作。

这也是好莱坞始终能走在世界电影前列的根本原因，它从来不排斥商业，而是经常把商业玩出别样的艺术气质，这几乎已经是一种境界了。

这绝不是波特曼一个人的胜利 在奥斯卡颁奖到来之前，很多电影评审机构以及评论者都对娜塔莉.波特曼在《黑天鹅》中的表演推崇有加，具有奥斯卡风向标之称的金球奖更是把剧情类最佳女主角授予了波特曼，似乎当年在《这个杀手不太冷》中和让.雷诺分庭抗礼的那个小丫头这次真的有可能要封后奥斯卡了。

平心而论，波特曼在《黑天鹅》中的表演的确不错，也值得肯定，但尚不足以用完美和杰出来形容。

我虽然喜欢这位演员，但却认为她在片中的表演功力远没有她所受到的赞誉那么高。

需要注意的是《黑天鹅》这部电影是有不少特效和化妆的，所谓的“惊艳表演”很大程度上来自于这些个人能力之外的因素，当然波特曼的芭蕾舞姿堪称优美，但这只能给人以美感，无法把它归为“演技”，即便是最后那一段融惊悚和唯美于一体的“完美谢幕”又在多大程度上是靠演员的个人功力完成的呢？

窃以为妮娜这个角色换了任何一位有经验的美貌女演员都可以做到，甚至片中的另一位演员米拉.库妮丝就可以胜任。

有趣的是，我认为在人格分裂之前的那个温柔恭顺的妮娜倒非常适合波特曼的气质和形象，而裂变之后却没有多少新的东西。

可以说，《黑天鹅》惊悚悬疑的剧情设置和特效化妆帮了波特曼一个大忙，而衡量一位演员的表演功力最有说服力的莫过于在一部剧情平稳的影片中表现出化腐朽为神奇的能力，从这个角度去看，科林.费斯在《国王的演讲》中的表现的含金量要更高和更有说服力，在这样的一部本来较为沉闷的传记片中，科林.费斯对于一个口吃患者的诠释堪称出神入化，正是这个成功的角色让《国王的演讲》变得富于激情和感染力。

同样的，安妮特.贝宁在《孩子们都很好》中的出色表现也比波特曼更深刻，如果说以上两位在年龄和阅历方面有优势，那么更年轻的詹妮弗.劳伦斯在《冬天的骨头》里的表现比波特曼差吗？

个人认为娜塔莉.波特曼迄今为止的顶级表演依然是《这个杀手不太冷》中的那个小姑娘，当然，如果本届奥斯卡把最佳女主角颁给了波特曼也不算过分，这个可爱又努力的优秀演员理应受到鼓励，但她还会更成熟的，至少眼前的安妮特.贝宁就是她的一个榜样。

我们几乎可以武断地认为越是高知人群往往越容易为自己精神世界里的种种不快所束缚，因为他们追求得更高更多，思考得东西也更复杂更深入，所以《黑天鹅》所反映的故事内核其实很切合这部分人的思想境界，而《黑天鹅》所表现出来的那种悲剧性的唯美和黑暗色彩极浓的现实隐喻都可以让在现实世界中挣扎的人从自身经历去回味，其实每一个人都有另外一个自己。

司机先生：作为您曾经的粉丝，我希望您在好莱坞商业大道行驶的时候别忘了Cult先生曾经赐予你的A级驾驶执照。

C Fan以下为废话：嘿了个嘿，黑天鹅，是一部看起来有点像台湾电影的电影，影片中那一句：如果选白天鹅非你莫属，但黑天鹅……已经让我感到司机同志仿佛不小心开车冲进了狗圈——一地的狗血啊！

1969年水瓶座位出生的导演达伦.阿罗诺夫斯基以《π》一举成名。

《梦之安魂曲》让他第一次吸引了我，并时刻注意他的举动……没错，那时的我是变态的CFan。

从06年起，我就是个CFan，那是我进入大学的年份。

那一年，刚好《内陆帝国》诞生！

作为影视学院的学生，我以索多玛为荣，以剪刀手为耻；以唾弃墓为荣，以勇敢心为耻；以魔法婴为荣，以地道战为耻；以低俗说为荣，以高雅颂为耻。

这是我那时的誓言，我坚信自己能完成那些誓言，可惜这帮臭不要脸的导演一个个都鸡巴怂逼了，导致我也怂逼了，买票，进电影院，听观众的大笑，听观众打呼噜，听观众在影院打电话。

而我始终认为，司机同志等一票人能够保持C主义先进性，保持Cult电影美国化的路线，谁曾想现实的残酷难以忽略：摔跤手那年正赶上编剧罢工结束，各种电影齐射，让我暂时忘却了司机同志的造诣，用影帝的表现勉强赞许了他几句：嗯，不错，果然有安魂曲的遗风……嗯，挺好，发挥不错，也挖掘了这个么个好演员……嗯……嗯……嗯……半年前，威尼斯电影节上嗷嗷地炒作如同当年《活着》什么的走出国门土包子开花了一般神勇。

好吧，我期待着，期待着……以上为废话：好，现在开始说正事：108分钟的黑天鹅，娜塔莉波特曼演女主角：纯粹追求的人物……强对比的幻觉……必不可少的血腥因素……人性原罪呼应……商业电影的配角们……看似不错的故事……好了，这部电影的创作意图和元素基本列举完毕。

有很多影迷说这部电影好，它真的好么？

娜塔莉波特曼的表演真的那么好么？

导演这次真的成功了么？

我不认为。

首先先说说这部电影的超越之处，电影很大程度上是一个哲学容器，它是一个时空综合艺术，并且被认为是最贴近现实，也贴近梦境的艺术，而芭蕾是一个舞台艺术，是传统时空综合艺术，在加之马里乌斯彼季帕和柴可夫斯基的完美配合，使天鹅湖成为经典那是必然中的必然。

导演司机同志的致敬举动让我非常钦佩，这是一个电影人谦虚的表现，同时，司机使用了肩扛斯坦尼康在舞台上用观众所观察不到的角度和画框来诠释一个独特的天鹅湖，这在电影中不能说绝无仅有，也是极其独到的，哦，对了，台湾人日本人特爱干这事儿。

其次就是道具的使用和象征性镜头的表现，指甲的倒刺被撕掉所露出的红色肉，身上的毛刺，红色的眼球，羽毛，以及lili背上的纹身，都在表现者导演的画面想象力，没错，是画面想象力。

这里就要说到不足了，画面想象力，这是70年代的帕索里尼所追求的，当时画面想象力的突破就已经是cult了，索多玛的120中抠眼球的那场戏，刽子手刚把匕首伸到眼珠旁，镜头切换到远处观看的权贵，他把手中的望远镜倒了过来，下一个镜头眼珠已经被抠出来了……黑天鹅中也有这样的镜头想象力，很多，但不牛逼，难以成为经典，我是说，即使作为一部恐怖片，这里的镜头想象力也难以成为经典，诸如闪灵等恐怖电影其镜头想象力源自德国表现主义电影，自然相当给力，而黑天鹅没有什么画面值得称为cult的地方。

结构呢，您要看结构cult的话除了昆汀，早期的诺兰和司机同学，有一些欧洲导演也都挺cult的，这让狗娘通天塔撞车之流拥有了创新的原材料，他们创立了蜘蛛网式商业片的模式，当然有些是独立电影，但他们不够cult，黑天鹅也……结构上唯一有那么点意思的是黑天鹅自始至终就出来那么个别几场戏，这种方式能最大化满足观众的期待心理，很显然，这也是商业电影中的模式，不过我想如果黑天鹅如果再猛烈点描述或者干脆就一个镜头可能就超cult了，我比较支持玩命描述。

我是这么想的，商业片，可能会伤害你的神经，我假设它只可能把你割伤；惊悚片，或者恐怖片，可能把你割开一个口子，你的伤口有崩裂的感觉；而一部很Cult的惊悚片，恐怖片，血腥电影，不但会把你割开，甚至割掉，但那都不是极品的Cult，极品的是割开之后拿一个小勺挖一勺肉吃掉。

魔法圣婴的分尸，感官世界的JJ，索多玛的眼球，甚至是无耻混蛋的万字，都给我这种这种震撼，而黑天鹅的惊悚还是属于闪灵式的，就是看不锈钢门把手的反光能把自己吓死的那种，属于心理暗示型，但恐怕还真没闪灵那么给力，因为闪灵的门把手会让观众自我暗示，而黑天鹅整了个什么都不是。

对导演和编剧的吐槽先告一段落，娜姐！

美女！

如果非要选詹尼佛康纳利和娜塔莉波特曼的话，我是说……这个投票在中国，那娜姐几乎秒杀詹尼佛了，毕竟当年的大美女依然老去，而哈佛心理学的剃头姐姐给大家带来了无限期待，结果期待的回应是斯坦尼斯拉夫司机的处理流表演体系。

你丫心理学白鸡巴学了么？

这已经不是马龙白兰度那个年代了，处理已然被更加严格的观众看透，即使是马龙白兰度也未必能够征服现今的观众了，但娜塔莉波特曼已然一招一式地在努力编造着这个角色。

我相信09年看过《珍爱》的同学们都会对无技巧的融入型演出记忆犹新吧，那是真的震撼，非cult独立电影也可以拍得很震撼，只要演员不要那么拼命想把这个角色编造得更好，加之优秀的剧本推进，一定可以成为很好的电影，无论它是什么，这是符合时代特色的。

当你现在翻回头去看那些曾经很牛逼的处理时，也都会发现故意表演给你看的痕迹：这是我们的星球！！！

阿凡达一声大喊，商业片标准配置，但无可厚非，可你是司机同志，我希望看到的是三条时间线平行蒙太奇剪辑，声画的超级对位和演员的绝对融入，我希望看到的这是一部带一些感动和反思的美国式的cult电影，我的期望就被司机同志这么磨灭了或者，他真的想拿小金人了吧。

当一个导演拿了小金人，他在Cult界的地位，你懂的……谁还会为看非商业Cult而去找昆汀呢？

这个世界还不够商业么？

一切，将在11年奥斯卡揭晓。

《珍爱泉源》时，不提繁复的三段式结构和绚丽的太空星云，阿罗诺夫斯基的爱情观被影评人讥为老土。

《摔跤王》时，威尼斯评委杜琪峰喝过红酒，笑呵呵地赛后开炮，他就觉得阿罗诺夫斯基的电影观很是老土。

到了《黑天鹅》，半小时不到，我就想起了《钢琴教师》和《怪房客》，怎么看都有别人的影子。

看完后一查，很不幸，嘲笑声音依然是跟土、旧或老套有关。

也许，这个舞者题材真的太老了，精神分裂、双重人格，隔三岔五就要拿出来说一说，根本算不上新鲜。

恐怕阿罗诺夫斯基也想得很清楚，咱不整别的，就利用现有的资源把东西做好，奥斯卡不就喜欢这种四平八稳的么。

很显然，电影总是要对比着看的，拿出去年底上映的《非常舞者》（舞吧！

昴），李志毅那出励志剧可以活活把人看睡着了。

一旦这么看，《黑天鹅》真是一部绝顶好片了，做工精细，节奏起伏有致、演员表演出色，娜塔丽·波特曼完全就是奔着奥斯卡影后去的。

这部电影够邪，扯指头上的肉刺、掰开渗出鲜血的指甲、背上毛孔粗大长出密密麻麻羽毛，光是这么描述起来，许多女性观众恐怕都会不寒而栗。

更何况还有拿刀捅人、另一个自我等离奇幻想和诡异镜像，说《黑天鹅》是惊悚恐怖的佳作并不为过。

整部电影围绕白与黑的冲突交织，如同芭蕾舞步一样，扬腿旋转，越转越快。

最后曲终人散，主人公戏我不分，停留在完美的想象中。

由于超强的代入感，观众也仿佛置身舞台下面，观看欣赏，沉浸其中，难以自拔。

正如《天鹅湖》需要突显白天鹅的美丽圣洁，整部电影完全围绕娜塔丽·波特曼做文章，享受了绝对一号的超级待遇。

阿罗诺夫斯基十分懂得成人之美的含义，他近几部电影都有可说之处，好比火箭助推器，让一些人成功升天。

在《珍爱泉源》时，他与蕾切尔·薇兹享受爱情的沐浴，那会妻儿皆有，好不甜蜜。

可惜正如心伤的电影结局，现实中的故事，他跟蕾切尔·薇兹在今年以离婚收场。

再到《摔跤王》，米基·洛克的老脸饱受岁月的蹂躏摧残，阿罗诺夫斯基索性让他遍体鳞伤，一副惨象。

影片向奥斯卡影帝发起了冲击，米基·洛克咸鱼翻身，可惜面对西恩·潘，米基·洛克也跟电影里头一样，心怀旧时的梦，黯淡收场。

这回的《黑天鹅》，在评奖季冲刺阶段，有曝出消息说，娜塔丽·波特曼在片场结识了艺术指导，现在已经怀孕了。

有这等好运附体，娜塔丽·波特曼的前景被一片看好，而阿罗诺夫斯基不知能否好人好报，冲破不受待见的魔咒。

光看投资规模和演员阵容，《黑天鹅》并不是什么重磅大片，它更接近《π》和《梦之安魂曲》时代的阿罗诺夫斯基，只是这一次，电影更加简洁明快、通俗易懂，而在技巧手法上，他保持了一贯的冲击力以及自成一体的风格。

它有一名痛苦的主人公，里外受困、身心俱焚；一场白与黑的极端冲突，好似生存与毁灭，不疯魔不成活；一个属于个人的舞台，大量的肢体或表情特写。

这不是什么好莱坞主流，它是一部货真价实的作者电影。

一部电影想要行至中段的时候让观众们疑神疑鬼摸不到头脑是很简单的事情，结尾能否圆场才是判断高下的关键。

幸运的是，《黑天鹅》至少还能自圆其说，遗憾的是，它自圆其说的方式是如此的偷懒而且毫无原创性。

当然，结尾还是可以给我们带来差强人意的满足感，但是这更多的来源于感官的渲染而非理智的畅快。

这部电影的剧中戏是柴可夫斯基的《天鹅湖》，讲述纯洁的公主被魔咒束缚于白天鹅的形体，唯有碰到王子的真爱才能回复自己。

就在她以为自己即将获救的时候，王子却被黑天鹅迷惑而误许爱誓。

而结局往往主要有两种：悲剧的王子公主双双投湖，以及大团圆的战胜魔鬼永远幸福。

电影中选取的是悲剧结局。

当然，如果用这部芭蕾舞剧的大团圆结局的话，那么整部电影都会站不住脚。

和芭蕾舞剧有关的桥段是片中拍得最美的部分，特别是追拍女主角的舞姿，镜头一气呵成，想来摄影师和演员都演练了很长时间。

加上改编版黑暗版老柴的音乐，实在是很震撼。

只是这些大概一多半都应该归功于老柴，作为电影部分的情节和人物都实在有些单薄。

导演Aronofsky在推销电影的访谈中说：“这片子的灵感来源于波兰斯基在1965年的黑白电影《冷血惊魂（ Repulsion）》。

”这简直就是最大的剧透，我没有想到他竟然几乎是完全抄袭了《冷血惊魂》的概念：片中开头的缓慢平静，女主角中期的失去控制，甚至最后的解释，从节奏到逻辑都一模一样，唯一不同的就是芭蕾舞演员的设定以及随之而来的追求艺术完美的动机。

我从来不喜欢波兰斯基六七十年代的那些惊悚电影，总觉得它们太做作而故弄玄虚，但是因为我知道波兰斯基这个犹太人的童年是在纳粹占领下的波兰死里逃生地度过的，所以我可以弗洛伊德式地理解他的杯弓蛇影。

对于后来好莱坞无数的模仿者，包括Aronofsky，只能说是庸才蠢材了吧。

何况，波兰斯基的原作里面至少没有卖弄血腥和情色作为噱头，这更让《黑天鹅》显得有些江郎才尽而不值得尊重。

情节毫无新意，人物也仅仅不过不失。

女主角的母亲，前辈（感叹一下维罗纳的美人迟暮），以及竞争对手这三个女人似乎都有一点往事让她们变成现在这个样子，但又都欲说还休，不过既然完全以女主角的视角展开倒也无可厚非。

舞剧导演倒是一个有趣的另类英雄，他不关心自己手下舞者的身心健康，只在乎如何驱动她们让自己的舞剧更加完美，他可以用挑逗诱惑作为刺激手下进步的手段，却从来可以控制自己不迷失其中。

最后当然要说到娜塔莉，就像她所扮演的角色一样，她对于白天鹅性格的把握明显强于黑天鹅性格。

她唯一令人信服的黑天鹅表演是在结尾，而且那还是拜浓重的化妆所赐。

她的气质长相，实在不能让人联想到诱惑和艳丽。

讲Nina如何成为一只“黑天鹅”的篇幅 几乎占据整部影片 但最重要的升华的那个点 却是黑天鹅到白天鹅的回归之旅。

返璞归真 寻到最纯粹的艺术。

纪伯伦说 我们走得太久了，以至于忘记了为什么而出发。

Nina 你忘记了吗？

在结尾的舞台上 黑天鹅终于现世 当观众们震撼于眼前的华丽魅影，是否还记得影片开头那只在黑暗里起舞的白天鹅？

那抹柔弱而美丽的纯白 但身后的黑色魔鬼在暗夜里向她逼近着，直到她逃无可逃。

其实在这里我们就可以读到暗示：黑色要吞噬掉白色 黑白天鹅之间的战争。

化妆间里横流的鲜血化成了插在Nina心口的一片玻璃。

雪白中一点红艳显得更惊心动魄——最初的那只白天鹅终于死了。

Nina拔下玻璃片 从泪流满面到大彻大悟的平静。

她面对镜子安安静静地化好妆 准备人生的最后的 也是最完美的演出。

不再有现实的压力 也不再有内心的欲望激荡 只有纯粹的艺术。

那一抹最初的纯白。

“I feel it. I was perfect.”她终于走到导演设定的艺术境界的最高层 当她上到最高层时 正是物尽其用人尽其才——既已经完成生命的意义 活着又有何用？

既要让打动观众的效果最大化 何不来一出震撼人心的悲剧？

就像鲁迅说过那样 悲剧便是把美毁灭给人看。

那么 既然注定要毁灭，何不终结在最璀璨的一刻？

不必有后续的想象 不必让SWAN QUEEN继续留在俗世的纷扰 商业化的喜新厌旧之中 不必让她像前辈一般蒙受黯然退场 被人遗忘在尘埃里的屈辱——众人争先围到她身边 赞美与祝贺不绝于耳，那个似乎永远高高在上的男人此时也凑到了她耳边 用亲昵的语气唤着她 “my little Princess”他神情热烈 混合着欣赏与爱慕 甚至像个得到生日礼物的男孩儿。

但她知道 这称呼在不久之前还属于另一个女人——Beth曾经 Beth也和现在的她一样 被无数灯光拥抱宠爱 领受万众瞩目的无上荣光。

但现在的Beth 躺在医院里 身体伤痕累累 精神支离破碎，永远告别了舞台 和SWAN QUEEN再也扯不上半点关系有朝一日 她会不会也是这样？

她缓缓闭上眼睛 与耳边的如潮掌声 一起沉入虚无之中。

除了让女主人公在成为完美的SWAN QUEEN后立刻死去 还能有什么结局呢‘？

单从美学的角度来讲 我喜欢这样的收梢

开始时舞台在梦境中，结束时舞台在现实里。

梦想变为现实的时候，仿佛一切仍是那样，还是梦里那件雪白蓬蓬裙，那双光滑绸面舞鞋，那曼妙撩人的舞步。

区别在于现实中的蓬蓬裙被划裂，隐隐藏着个涔涔渗血的伤口，而那舞步的主人躺在血泊里。

这或许就是梦想到现实的距离，这或许就是艺术的代价。

艺术，是一种高效的表达。

但并不是努力就可以拥有这种高效表达的能力。

当艺术达到一定高度时，技术的重要性开始递减，进入拼理解力和感悟力，拼个性和阅历的阶段。

Nina面对的是两个同样高难度却黑白迥异的角色，这意味着她需要在内心安抚妥当两种相生相克的力量，让它们共存且达到高度和谐。

镁光灯下的几分钟，被残忍放大的绝不仅是演员脸上的毛孔，更是她背后的生活和内心的世界。

于是，黑天鹅出现，Nina的一系列异常开始上演。

比如一次重于一次的皮肤抓痕，比如在恐惧中不断看到另一个自己，比如同性性行为的幻象。

幻觉和现实在电影中交叉重叠，却因导演并未留下判别线索而变得无从细究。

虽然敏锐的人还是可以从配乐中得出一丝线索，但就整体而言，观影过后对于幻觉真相的重新判断显得意义不大。

倒不如珍惜当下的体验，尾随那些大胆跟在Nina身后拍摄的镜头，感受她不安恐惧的内心。

在这点上达伦展现了他制造吊诡气氛，安排紧密节奏的天分。

暗示足够多，让人大呼过瘾，众多细节和意象都值得回头考究。

每个人的心中都有一只黑天鹅。

对有的人来说，也许是只白天鹅。

那只黑天鹅不只是代表释放激情，去诱惑。

白天鹅和黑天鹅在一起代表着一个人矛盾的天性。

很多时候，我们游走在黑白之间。

但黑与白的争斗不停的折磨着我们。

白天鹅，小心翼翼的保护着自己，但躯体之下的黑天鹅却渴望着爆发。

白天鹅是那么的脆弱，黑天鹅是那么的强势。

可是走向黑天鹅张开翅膀那一刻的路却是如此的艰难。

致黑致白都是极端的，走向极致的道路也是痛苦的。

也许，迷失在黑白之间或许是一个安全的选择。