走走停停

上帝保佑吃饱了饭的人民。

在这个时代，我们不一定过得心想事成、万事如意，但我们都是得到了上帝保佑的人，因为，我们不必遭逢战乱，我们不会饿死。

读了很多历史书后，我发现，太平盛世是例外，战乱、饥荒、瘟疫，占据了更长的历史时间。

再加上没有现代医学的庇护，近代以前，人类的平均寿命不及当代的一半。

纵观人类的文明史，对于每一个弱小的个体来说，活着就是一种尊严，活着就是一种体面。

当然，人类今天所取得的成就，不是某一个皇帝或伟大领袖所赐予的，我们的尊严与体面主要依靠科学的进步与生产力的提升。

以上，是尊严与体面的宏观视角，《走走停停》中的尊严与体面，是微观的，是一个人或者一群人与自己和解的过程。

北漂十年，颓然而归。

继续傲娇，坦然啃老。

吴迪就这么丧地出场了。

邂逅班花，偶遇影迷，搭草台班子，共圆电影梦。

吴迪死水般的人生荡起了微澜。

当你以为吴迪将迈向“无敌”，彻底逆袭时，江美玲却在“片场”猝死，吴迪的电影生涯再一次嘎然而止。

冯柳柳的老板“导演”的“纪录片”再次给吴迪一万点暴击。

吴迪平静地接受了所有的厄运。

在吴爸爸的加持下，吴迪没有半途而废，完成了电影。

随后，吴爸爸也追随江美玲长眠地下。

只剩下吴迪和吴双兄妹俩。

吴迪接替吴双成了出租车司机，吴双准备前往深圳，追寻她的“健身梦”。

就这么走走停停，平淡如水。

没有鸡血，没有逆袭，但，没有成长也是一种成长，吴迪找到了自己。

吴迪“活下来了”，“真是了不起”。

“如果刚好遇见你，这句话也送给你：谢谢了我自己，你没什么可对不起。

”和平庸软弱的你、一事无成的你、坚强勇敢的你、自食其力的你，和解吧！

作为一个loser，胡歌确实帅了点，作为一个小城姑娘，高圆圆也太美了点，但他们在妆容上，在体态上，都在努力靠近我们了。

这样的文艺片，没有他们的加持，大概率是会被淹没的——在小众影迷圈里“流通”不成问题，但很难抵达广大群众。

胡歌自《南方车站的聚会》（2019）开始，走上了一条自我修炼之路，到《不虚此行》（2023），再到《走走停停》（2024），他的戏路越走越宽，成为“老戏骨”只是迟早的事情了。

今天中午我在电影院里观看这部影片的时候，影厅里只有三个观众，只有我看了彩蛋、听完了片尾曲。

如果你没有听完这首名为《我活着呐》的片尾曲，不妨读一读下面的歌词，这是一首属于我们的《凡人歌》。

我活下来了 真是了不起在小行星撞地球的概率里在躺不平也跑不动的房间里在我爸看我一眼 叹的那口气我活下来了 真是了不起在不是努力就能解决的问题在普通到不值得说的故事里我活下来了 真是了不起我一边前进 一边想着逃离我每天出门前都需要深呼吸去接住世界一次一次不讲理背后偷袭都活下来了 真是很了不起就奖励自己在缝隙里看星星数一颗两颗三颗四颗你也在这里大半夜都不想睡觉的你好吗我活着呐没有三头六臂 oh尽可能柔软无比生活没对我客气 我朝它敬一个礼容许事与愿违 算不算一种勇气失望里捡起自己 拍拍灰走走停停谢谢了我自己 你没什么可对不起谢谢了我自己 你没什么可对不起问这是不是 你要的自己该怎么回答说是就不够努力另一个答案要我坠入深渊里所以这问题 是个大陷阱我只想自己 有快乐的能力不需要困在任何人的期待里哪怕那个人是小时候的自己也没关系都活下来了 真是很了不起到今天为止一百分的存活率数一个两个三个四个听着歌的你每个字都全然听懂的你好吗我活着呐没有三头六臂 oh尽可能柔软无比生活没对我客气 我朝它敬一个礼容许事与愿违 算不算一种勇气失望里捡起自己 拍拍灰走走停停我活着呐没有三头六臂 oh不需要自我搏击生活会让人泄气 我多打几个补丁在想哭的深夜 在没有伞的雨里如果刚好遇见你 这句话也送给你谢谢了我自己 你没什么可对不起谢谢了我自己 你没什么可对不起谢谢了我自己 我活着呐多了不起谢谢了我自己 你没什么可对不起

绿豆汤恰到好处地赚到我的眼泪。

就像某种和弦，从母亲煮绿豆汤时开始奏起，余音未绝，背影出现的那刻又缓慢地开始回响。

影片冷静、克制，又采撷了些苦涩幽默，最初以为是伍迪艾伦式话唠，在生活的流动中终于成为是枝裕和。

是向《步履不停》的致敬吧。

——没有戏剧冲突的生活如何架构？

本片给了非常有意思的蒙太奇和多线叙事示范。

◆第一场便铺垫戏中戏节奏，以快速场景切换和对话推动情节。

8分钟，主人公吴迪被迅速扔入一无所有的境地。

作为一个骄傲的失败者，他与人生和解的故事开始了。

◆而他回乡的生活始终是被审视的，一出《楚门的世界》。

但还是不能低头，他决定做一条有梦想的非咸鱼，搭个草台班子开启状况百出的拍戏。

于是出现三条叙事线，拍吴迪的记录片，吴迪拍的电影，影片展示的关于吴迪拍摄又被拍的故事。

当纪录片和电影交叉拍摄，表演和生活的界限逐渐模糊，生活却是比电影更戏剧化。

每条叙事线之外都是黑色幽默。

——第二幕结束时母亲的去世过于是枝裕和。

毫无预兆地丢出巨大危机，平地惊雷，故事里的人就这么平平淡淡地接受了。

情感冲突却在纪录片播出后到达顶峰，对比而言，虚构的电影反而真诚美好得格格不入。

母亲的睿智总让人想起树木希林，想念她那些人生回眸式的金句。

主人公被盗窃创意、被扭曲人生的长久煎熬，最终在母亲熬的绿豆汤中被抚慰。

“自己知道自己是什么人就可以了。

”点了那么些人生真相。

——展示给别人看的是生活的剪辑，有人光鲜，有人落魄，而亲身经历的才是真实的生活。

放低自我，接受生活给的一切。

走走停停，再继续平凡地走下去，而已。

最后的彩蛋里，父亲的自述非常美妙：很多人都没有成为想成为的那个人。

生活没有那么好，也没那么糟糕，习惯就好。

但是——没有但是，习惯就好。

（题外话：片尾曲很好听，心中翻腾着平淡的愁绪。

但是，但是，尽管人生目标始终严肃，每天都在努力，但生活也从没对我客气。

这就是生活吧，向着生活敬个礼。

）

《走走停停》讲述了胡歌饰演的吴迪，在成为一名失败的编剧后，回乡体验“躺平”人生的故事。

他在阴差阳错之下，拍起曾经写下的剧本《似是故人来》。

剧组是业余的：场景是家，母亲当主演，妹妹录音……“躺平”不仅是吴迪受挫后主动回缩的姿态，也是当下青年导演的共性。

正如《似是故人来》是以家为场景、以家人为工作人员搭建了设制团队；当下青年导演也躲进了圈子，以自己（最/仅）熟悉的电影制作为素材讲故事。

魏书均的《野马分鬃》《永安镇故事集》， 孔大山的《宇宙探索编辑部》，刘伽茵的《不虚此行》，李阔和单丹丹的《银河写手》，宁浩的《红毯先生》，龙飞的《走走停停》……主角要么是导演系学生、导演，要么是编剧、演员，通过将拍摄的过程融入电影，象征性地探讨电影相关话题。

此类“戏中戏”“影中影”天然地为影像增加了一个虚构维度，赋予了影像活力和生机。

对于青年导演来说，这是他们最熟悉的内容，因而得心应手。

至于真实的生活是什么？

就他们有限的经验而言遥远，又难以捕捉。

当青年导演不约而同地投入“拍电影”的怀抱，事实上他们在集体退缩。

这既可能是审查和资本的双重夹击导致的结果，也可能是垂死挣扎后的所谓“表达”。

正如吴迪可以几乎“无成本”地拍摄《似是故人来》，此类电影也不需要太多成本，更不会涉及社会现实，安全又可靠。

因为生活面向狭窄，这类电影极容易变成自娱自乐。

《银河写手》展现了两个初级编剧向甲方爸爸叫板的故事，释放了创作者压抑的憋屈心理，仅此而已。

《红毯先生》看似揭露和嘲讽演艺圈众所周知的弊病，实则重新拉起了遮羞布。

在《不虚此行》中，编剧改行写悼词，一方面隐喻行业的没落，对电影发出悼念；另一方面则是导演试图在无路中找到出路、在挣扎中寻获新生。

电影由此变成了一种象征，要么在圈子里“躺平”，要么走向“火化”。

事实上，作为此类电影的源头——费里尼的《八部半》，源自费里尼的创作困境，展现电影制作过程并非是目的，而是手段，以此破解创作的瓶颈。

现如今，因果关系发生了颠倒：面对创作困境，青年导演们不仅不走向生活，反而躲进“舒适圈”，以拍不出电影为乐，欺骗自己也欺瞒观众。

《走走停停》是如此的廉价，就差把“反内卷”的时代口号贴在脑门之上。

不仅让母亲这个角色无辜死去（没有引发任何的怜悯和悲情），还要在闪回中继续“鞭尸”，让她捧上一碗心灵鸡汤——“成功不见得是金子，失败也不见得是屎。

”Gold or Shit ？

《走走停停》让观众尝到的正是闪着金光的屎味。

如果不是一票专业演员加盟，它所有的喜剧元素就是“开心麻花”式的；如果不是“戏中戏”对影像的拓展，它就是一部精心打造的冒牌货，不尊重电影、不尊重人物，为了迎合时下的“躺平”浪潮，诱骗广大青年产生“共鸣”，虚假、低级。

《走走停停》这部聚焦于一个北漂失败而归乡的失意中年，讲述他回乡后与家人的相处，在旧同学的激励下尝试在家中拍摄电影，最后在失败中获得成长和救赎的故事。

之所以选择去影院看这部电影，除了与笔者之前撰写过评论的《银河写手》都是聚焦于“落魄编剧”这一原因之外，还因为它也和后者一样有一位《一年一度喜剧大赛》的演员参与主演，即金靖。

而恰好不久前观看了近年的另一部影展系喜剧《朱同在三年级丢失了超能力》（以下简称《朱同》），也同样有“一喜”演员出演，并且还具备一定的舞台剧风格，于是预期把《银河写手》《朱同》《走走停停》放在同一谱系下进行比较评论。

看完之后，有些许惊喜，但也有期望的落空。

《走走停停》剧组在北京国际电影节

首先，影片的喜剧性整体看来是比较合格的，点映场的小厅里虽然观众并没有坐满，但是全场笑声不断，是一部能成功带动观众气氛的电影。

我认为，演员的表演功不可没，尤其是男主演胡歌，在《南方车站的聚会》中采用“面瘫式演技”的他，到了本片当中却呈现出出乎意料的松弛感，如果没有胡歌对这样一个可笑、执拗又不失豁达的失败小人物的生动诠释，这片的喜剧性将不再成立。

对于男主角，无论是面对高圆圆饰演的老同学时的插科打诨，还是与家人相处时的机灵和小倔强，又或者是面对镜头或拍摄电影时强撑着信念感地侃侃而谈，都拉近了这个颇具幽默感的角色与观众的距离。

在这个前提下，到了结尾母亲已经离世，男主角再次回到超市那个打折的电动椅旁时，他茫然失落的神态才更加能打动观众。

但是，相对于近期我最喜欢的院线华语喜剧片《朱同》，《走走停停》的喜剧处理手法实在是参差不齐，有些甚至已经到了令人不适的程度——比如男主失手把保安推落水的段落，以及父亲在片场被迫蹲厕所的段落。

这两个段落明显是想要做喜剧化处理的，但在我看来它只让我看到整个一家人“极其不负责”的一面，有种“玩笑开过了还不自知”的感觉，主创却把这些桥段做成笑点，令我在那个当下感到了对这家人短暂的厌烦情绪。

而《朱同》得益于奇幻设定，它的喜剧手法不仅更多样更有创意，而且喜剧桥段的尺度拿捏也十分精准，整体气质是统一的，这归功于《朱同》对剧本更精细的打磨和对演员姿态更极致的雕琢。

尽管《朱同》的导演王一川是戏剧导演出身，但《朱同》把戏剧舞台的特色优势有机地融合到电影镜头语言当中，比如朱同幻想班主任在走廊大战外星人那场戏，我们能从中看出这场戏的设计背后的戏剧舞台思维，但又并未影响电影这一形式的美感。

反观《走走停停》，它试图使用更加电影化的写实主义笔触去呈现故事，然而对喜剧笑料过于夸张化或舞台化的处理，使得影片的写实主义基调时常摇摇欲坠——最典型的一场例证，便是当男主在饭桌上宣布自己放弃了父亲安排的岗位，父亲开始准备扔杯子、掀桌子时，家人们竟开始预判父亲的这些动作，用无厘头的方式接住了父亲扔过来的杯子，最后妹妹甚至直接“闪现”上桌，阻止了父亲的掀桌。

这一场虽然引得观众阵阵发笑，但我对这样的处理持保留态度。

还有一段情节，是母亲和男演员对台词，结果男演员由于紧张，把一句台词提前念出来了，观众便不知所云，接着，母亲念了一句台词，所有人哄堂大笑——原来男演员背错台词，把回答母亲的台词先给念了，而母亲也在背台词，所以直接顺着她自己的词，念出了前一句台词，产生了非常滑稽的喜剧效果。

但是，我在思考的是，这样的喜剧桥段是否可以直接平移到舞台小品或素描喜剧这些形式中呢？

《一年一度喜剧大赛》对华语喜剧电影的影响，是否并没有跳出电影话剧化的局限？

影片还有一些较为刻板且容易被观众预判的笑料，比如争吵的人物发现摄影机后装作谦让、还有大量利用“绿帽梗”来呈现父亲状态的桥段。

不过其中有一段的处理是试图打破预期的——父亲发现男演员和母亲在天台上又开始演恋爱戏份，紧接着给到一个模拟监视器的视角，两个演员在画面里演戏，这个镜头给了很长时间，观众知道父亲一定会入画捣乱，都在等待这一时刻。

结果，画面里出现的并不是愤怒的父亲，而是一闪而过的拿着录音杆的妹妹——原来父亲把天台上的被子烧了，先发现的妹妹赶紧拿着录音杆跑过去灭火。

这一场景既不失滑稽，又出乎意料，没有完全落在观众的预期之内。

其实，《走走停停》作为一部带有媒介自反特性的影片，它的完成度是远比类似题材的《银河写手》要高的。

最明显的一个例证就是，影片非常具有创意地运用了摄影机的特性制造笑料，甚至可以说有一些本体论的意味。

其中一个桥段是，男主坐在沙发上被一个固定机位纪录着，突然他站起来，装作不经意地走向旁边书柜的一堆旧奖状旁，摄影师便不得不紧急调整机位，使用摇镜头来跟上男主的位置，引发笑料。

还有两处桥段，利用了摄影中“景别”这个元素制造笑料。

还有两处桥段非常特别，第一处是在男主被纪录时，故意把一摞书放在茶几上，显得自己在镜头前的形象高大上，结果摄影机给到的景别只到男主的胸部，根本拍不到他放的书；第二处是男主的妹妹在被纪录时，摄影师要求她换一件更合适的衣服，她便换上一件写有“闭嘴”的衣服，摄影师马上把景别推进，使妹妹衣服上的字移出画外。

通常我们说，好的喜剧是用镜头语言营造喜剧感，而《走走停停》则直接把镜头语言做成了喜剧。

关于真实与虚构这个议题，主创是有自己明确的态度和立场的。

从影片中段，导演被纪录片导演要求遵从“剧本”，就能看出导演对这一议题所抱态度的端倪。

纵观全片，男主所导演的电影替母亲追求了某种“真实”，而纪录片却迎合了创作者或观众所预想的刻板标签式的“虚假”，体现电影对真实与虚构的辩证态度。

影片最有讽刺力度的时刻便是纪录片播出后，男主演被粗暴地挂上“中年失败者”的典型标签，所有素材都围绕这个刻板印象的编排策略进行筛选，最后这种“虚假”的影像引得那些网络喷子发出了“拍片把自己妈妈害死”的恶毒评论，反观实际情况，其实男主拍电影使母亲真正找回了自我，也和儿子的理想主义达成了终极和解和共情，在瞎折腾的表象背后明明是极其复杂而深刻的情感，这些极其二元化简单化且不负责任的恶毒评论立马显得极其可笑且令人愤懑。

而男主面对如此诛心的评论，当下所能做的也只是叹了一口气。

这种平静而无奈的情绪处理，甚至比《保你平安》里大鹏面对朋友所遭受网络偏见时表面化的义愤填膺，还要更有力度。

然而随后的收尾便令人遗憾地乱了阵脚，影片没有在“真实与虚构”这个点上继续延续到结尾，而是着急忙慌地解决人物的情感落点——先是表现男主放不下高圆圆饰演的老同学、然后让男主回忆了一段母亲对自己的激励，接着在没有充分铺垫的情况下，父亲向男主伸出了和解的橄榄枝，激励并协助男主把作品拍完。

此处虽然感人，但“绿豆汤”和“变装”这两个元素在前大半段剧情中毫无铺垫，几乎都是在男主回忆母亲这个段落里突然给出的铺垫信息，导致剧作力度降低。

结尾的堵车戏，男主和高圆圆饰演的老同学上演了一场物理层面的“走走停停”，如此反复了三四次，虽然这其中有意味深长的表意在，但在我看来还是设计感和刻意感居多，使得这对具有“影像伦理”和“阶层凝视”意味的男女关系缺了些它本应该被营造出的宿命感。

之前建立的所有关于“真实和虚构”的深度探讨，都被这些软绵绵的戏份冲散了，非常可惜。

但总的来说，《走走停停》对“真实和虚构”的讨论是远远比《银河写手》深刻的，后者的两个主角大段关于“编剧与真实”掷地有声的自辩念白，说服力却不及前者那一个播出的纪录片的百分之一。

从这个层面上看，《走走停停》是更接近《改编剧本》之野心和格局的。

最近无聊，就靠听播客，说白了就是想肤浅的笑笑。

但以往听得比较多的播客都让我半途而废，半夜想着到底啥才是当下流行的喜剧，过多的冒犯就会变得尖酸而刻薄，过于追求反差就会显得尴尬而难堪，这之间有个分寸的把握，很容易顾此失彼，想要观众发自内心的开心，着实不易。

有种幽默不同于装傻充愣般的无厘头夸张式搞笑，也并非基顿卓别林那套通过肢体语言逗乐观众（看到居然有网友吐槽他俩的电影没对白而给了差评，震惊脸），而是源于现实生活，就像轻喜剧电影里那些失意者的戏谑与自嘲，让人咧嘴一笑的同时也能收获点情感或精神上的共鸣，这部在北影收获不少好评的电影就有点那味儿了。

河边唠嗑的一段，搭配动听的爵士乐，真有点穿越进无敌电影里的感觉。

三十五岁大龄男青年吴迪，顶着一头泡面毛，戴着一副高知眼镜，短袖加衬衫，一幅落魄文艺青年的宅男打扮，相继告别了冷漠脸的女友和另谋出路的室友，变卖为数不多的家产后从北京回到了家乡，开始了“啃老的废材生活”，有个铁面无私的老爸，有个心慈手软的老妈，还有个一点也不矫情的硬汉老妹，吃饭、借钱、撒尿，唠嗑，笑点就在他们的反差萌和相处的火花中孕育而生。

回乡后的吴迪也尝试想要找份工作，一方面三十五岁以上想找份体面的工作现如今的确比登天还难，从不求人的老爸带着他上门托关系，好不容易弄了个铁饭碗，结果还被胆大包天的吴迪给推掉了，不过就像老妹说的这是双赢的结果，没法顺应朝九晚六枯燥工作模式的吴迪，即便去了也干不长。

这片总让我想起《有生之年》，近年来放弃大城市打拼回乡过过低欲望的小日子，似乎已经成了一种自愈的趋势和热潮。

从小就被不停地灌输，好好读书努力考个好大学才能有出路，好好找份工作勤勤恳恳坚持才会有保障，的确，这是最稳妥的一条不会出岔子的人生路，但一眼望到头的日子很多时候又让人无比绝望，这就像一个被设定死的公式，根据主流的经验和教导，这套公式很大程度上能保你无后顾之忧，少点烦恼，多点顺遂。

就像片中的父母，他们就是被规训的一代，有份稳定的工作，过着不算太好但也不糟糕的生活，慢慢养成习惯，能够安享晚年，这是绝对不会出错的舒适圈。

虽然老爸会斥责吴迪的不靠谱，会为了他推掉一份好工作而想要掀桌子，但同时他也会为吴迪曾写出更有想法的作文而自豪，也倾诉着谁没有过想要追逐的梦想，片中也有好几次问及老妈对年轻时没有进舞蹈团而有没有后悔，各自心中想必或多或少都有遗憾和悔意。

但人生没有如果，谁也不能确保选了另一条路就一定为好，人不过是习惯性地吃着碗里的又望着锅里的，各有利弊，个人选择，无关对错，实际跨出舒适圈需要更多的勇气，除了异样的眼光和闲言碎语，重点在于还得考虑有限的时间、极大的失败风险和极小的容错率。

这片比较有意思的设定是拍摄中的拍摄，电影里包含了纪录片和影片的双向记录，打破了虚拟和真实的边界，角色本身的演员属性又套上了虚构的部分。

眼见不一定为实，记录也会被断章取义和混淆视听，记录本身的意义不再遵循于真实的表达，而在于观众想看什么，迎合普世价值观，无法排除人为的干涉和设计，虚实难辨，这其实也是当下互联网生态的一种容易贩卖焦虑的体现。

像吴迪这种在大城市混不出名堂，回到家乡自顾把家丑外扬，在外人看来就是个衣来伸手饭来张口让爸妈伤透脑筋的废材。

但实际吴迪在探寻自身梦想的同时，也为老妈提供了另一种难得的生活体验，告别了只顾买菜做饭料理家务的日子，看了漂亮的风景，获得了有趣的经历，最后的彩蛋已经说明了一切。

片中吴迪一开始的拍摄风格定位就是要致敬小津安二郎，一比一规整的构图，固定机位和黑白画风，迎面扑来的怀旧风，实话说片中拍摄期间有点啼笑皆非的流程倒是和小津有点不沾边，不过片中父母间的感情让我有点想到了《东京物语》，算是这片比较打动我的一点。

看到开出租车的吴迪，想到了一本对我影响颇深的书——《刀锋》，书中拉里一直在探寻生活的意义，努力摆脱虚无的困境，他试图在书中寻找答案，通过经历寻找解脱，最后他在大自然中获得顿悟后选择开起了出租车。

社会普世价值观定义下的成功和失败，促使太多人千篇一律的急功近利，奋不顾身地卷入资本的齿轮中。

并非只有勇往直前才能抵达成功的彼岸，及时止损也并非就是失败，或许反倒能找到更舒服自在的生活方式，重点在于你想过什么样的生活，选择权在于自己。

生活就是你明知道是个什么鸟样，但你依然热爱生活。

得学会应对生活的如常和无常，而无聊和变故是必修课。

片中的拍摄途中有个转折点，看似一成不变的生活实际充满了变数，永远不知道不幸和明天哪个会先来。

挺喜欢片中表现情感牵绊的部分，隐忍和内敛，有点小秘密才过得下去，这是属于过来人的豁达和睿智，老爸不屑的眼神和悄悄的身影，独自看着老妈的影片；厨房里做绿豆冰棒的老妈，熟悉的生活话语和抚慰人心的对话，还有那台打半价让人睹物思人的按摩椅。

比起哭天喊地悲痛欲绝的表现，这些像是润物细无声一般的生活点滴会更加的触动人。

子欲养而亲不待，在外拼搏的同时，别忘了抽空回家陪陪父母；在家生活也无需自怨自艾，总能找到自洽的方式。

最后老妹走出了舒适圈，吴迪接棒。

在路上再次遇上了老同学冯柳柳，当年的她还是个拍摄纪录片的单亲妈妈，吴迪还是个初出茅庐的菜鸟导演，两人一起合作，现今却已在两条不同的轨迹上行进。

彼此看在眼里，却没有打招呼，一前一后，生活亦是如此，时光匆匆，经历相遇与离别，走走停停，你我皆过客。

正巧，本人也正好40岁，不惑之年。

正巧，本人也没有结婚。

正巧，本人也在外边漂泊多年，不同主角是北漂，我是容漂。

正巧，本人，没有妹妹，但有个姐姐。

不同的是，我没有回去，我还在坚持；不同的是，前几年我就成为家里的顶梁柱了，全家人就我有工作。

父母还健在，但身体都不太好。

母亲，三高都是小问题，还腰椎间盘突出，走不了太多的路，害怕情况越来越遭；然后胆囊炎，之前让做手术，把胆切了，没做，现在偶尔会痛。

痛了会很难受。

父亲，之前就是肝有问题，但人的状态看起来都还不错。

过了六十后，特别今年，年初眼晴突然看不清，有半个多月，后来去做了点针灸，和休息好，恢复了；现在冬天，又不知道哪个内脏有问题，痛。

让他去检查，他就是不去，他一个人在老家。

母亲跟我在成都。

让他来成都，他说痛得走不了多远，好点再说。

让母亲回去带他去医院，他又说回来有啥用，浪费钱，要去看，他自己会去。

他不舍得花钱，一百块都很多。

写到这样，我突然好心酸。

小的时候，怪过他们，没有给我好的生活，也没有足够的爱，让我在社会很难生存，也走错了很多路。

后来我挣钱了，开始给他们钱了，我也慢慢开始理解他们了。

他们也不容易，父亲从四十多岁就失眠。

父亲是没有妈妈的，也就是我是没有奶奶的，而我爷爷也不爱他，所以他就小学文凭，小小就出来混社保；母亲是没有爸爸的，我是没有外公的，外婆改嫁了几次，母亲是大姐，所以，母亲也是没有依靠。

我的双亲，本来就很可怜。

我又能要求他们什么呢？

我只希望他们多活久一点，抱上孙子，等我荣归故里。

我希望我的孩子有爷爷奶奶的痛爱。

可是，今年又是我这几年最迷茫的，工作挣不到钱了，何去何从？

家乡’、婚姻、后代、工作，将来，一切都应该有个了断了。

有很多观众在问《走走停停》里面的BGM，今天想简单聊一下。

本片的配乐总监是高小阳老师，小阳是一个有趣的人，话不多，喜欢倾听，把大部分的情感都倾注在音乐上了。

电影《走走停停》作曲 高小阳我们的想法很一致，希望这个片子的音乐能够不拘一格，即不受制于某一种风格，就像片子本身的气质比较自由一样，音乐也符合这种气质。

小阳在创作本片音乐时聊到“我以蒙太奇段落为龙骨，使用了多种风格的音乐，复古摇滚，爵士大乐队，流行爵士钢琴加小号，古典钢琴，极简主义配乐等。

风格带来的不同侧面，正像我作为创作者看到片中角色生活的各个侧面。

我喜欢有观察角度的诠释方法，客观并真诚的表达出看到的感觉，并不用音乐做价值判断。

”纪录片蒙太奇段落的音乐是我们最早达成一致的，选取的是巴赫的《哥德堡变奏曲》（BWV988），我们在初剪时贴的参考音乐其实是古尔德先生1981年演奏的版本，熟悉他的朋友都知道，古尔德喜欢演奏时哼唱，所以大家亲切地称他为“古哼哼”，而这一段关于古尔德演奏的讨论其实也隐藏在戏中戏《似是故人来》中，李远和江美玲（吴母）正在讨论这个时，被吴双手里的收音杆打到了脸上。

有趣的是，小阳在纪录片蒙太奇段落将《哥德堡变奏曲》的曲风变成了爵士风格，使其更为轻快诙谐。

纪录片蒙太奇段落（选自电影《走走停停》）而变奏曲中的咏叹调（Aria）则用来表现吴迪想念母亲的时刻，这里还原了钢琴的演奏，巴赫的音乐复调性程度高，具有某种克制的美感和平衡感，同时还有一种神圣的信念感，演奏的难度很高，这里也感谢钢琴演奏沈通老师的精彩演绎，为影片增色不少。

吴迪想念母亲段落（选自电影《走走停停》）另一处有趣的古典音乐选用的是圣桑的《大象》（《动物狂欢节》），大家可以找找是用在哪儿。

在谈到影片的爵士乐时，小阳说“两段主要的爵士音乐都用在蒙太奇段落，本片的音乐需要演奏感和松弛感，这就需要乐手的个人技艺和情感表达。

这两段一快一慢，一个大编制big band，一个是两人完成的钢琴加小号，这种风格的爵士乐带有美国战前工业时代的背景，所表达的跟我们如今在工业信息化腾飞时代下的困境有异曲同工之妙，是关于工业对人的异化的一种反叛。

吴迪朦胧的爱情，不切实际的拍电影的愿望和行动，其实都是反消费主义的，在现代生活中格格不入的，但又具有个性和抗争的力量。

”除了爵士大乐队用作纪录片蒙太奇场面之外，这里提到的两人完成的钢琴和小号爵士乐《爱情幻想曲》（Philip Tyson）则用在了吴迪和冯柳柳的主题上，一段是多年未见后两人在河边散步聊天，一段是他们在卧室里“互诉衷肠”。

河边的漫步看似漫不经心，实则是彼此的试探和拉近，爵士乐的加入使得这里的气氛有些俏皮和愉悦。

河边散步段落（选自电影《走走停停》）第二段在吴迪卧室的音乐，同样的旋律但用法不同，两人看似互诉衷肠，其实只是在对台词，小号的突然切断，使得音乐由主观变成了客观，呼应这种戛然而止的情愫，而小号的再次进入也配合着中断后的对话继续进行，暗示两人的关系会进一步拉近。

卧室畅谈段落（选自电影《走走停停》）摇滚部分其实也是我很喜欢的地方，吴迪内心的激情被点燃，以及和大家组成草台班子拍电影部分的音乐都不约而同选择了摇滚，小阳在这里“从音色，编曲，速度上都在找70-80年代的感觉， 因为复古摇滚从内涵上更接近生活，那个年代质朴，直接的创作出的音响效果放在现在泛娱乐的时代下更有一种‘真’的感觉，在这个层面上跟影片的表达是相吻合的。

”

吴迪内心被点燃段落（选自电影《走走停停》）而这两段摇滚乐最早的哼唱部分是比较清晰的，让人隐约听得出“You are Lucky , You are amazing ”以及“You got fortune”的字眼，但后来小阳不喜欢清晰的哼唱而把它们变成更模糊的表达，他觉得这样情绪反而更加自由和有趣。

拍摄戏中戏段落（选自电影《走走停停》）影片被提及最多的是最后的几段音乐，其中堵车戏的音乐被很多人喜欢，小阳说到“片中的最后三段配乐是极简主义精神指导下的电影配乐，我是想用这种方式来点题的，极简主义作曲的特点是用极简的动机，和具有逻辑层次的变化来覆盖整个篇章，我甚至在看到走走停停这个片名的时候就有极简主义的思路出现，AABB这个结构充满让人推进想象的空间。

”

堵车段落（选自电影《走走停停》）堵车戏这一段主要是钢琴演奏，在主题重复几次之后，小阳又加入了长笛，使唏嘘感更加绵长悠扬。

而最早的版本其实是没有加入长笛的，是另外一种感觉，现在上线版的《走走停停》电影原声专辑里保留的则是最早的版本，大家可以比较来听听。

当然这也是我在本片中最喜欢的音乐之一。

小阳提到这次的创作在某种程度上是反戏剧化的，因此很多旋律是自然流动出来的，融合到影片当中，也形成了某种独特的气质，而这种气质会帮助影片更好地找到属于它的观众。

最后，聊聊大家谈的很多的《走走停停》的主题曲《我活着呐》（唐恬作词，彭飞作曲，郭一凡编曲，step.jad 依加演唱），很多人被唐恬老师的歌词深深打动，包括我自己。

因为这首歌而走进影院的观众也不少。

彭飞老师最早就确定了主题曲R&B的曲风，在影片结束之后，一扫前面吴迪的孤独和落寞，变成了坦然和轻快的调子，和里面的歌词“失望里捡起自己，拍拍灰走走停停”相映成趣。

这也是影片的基调。

最后，附上《走走停停》电影原声专辑：QQ音乐：https://y.qq.com/w/album.html?albumId=51853562&ADTAG=hz_wb_sf&channelId=10081987网易云音乐：https://music.163.com/#/album?id=199246142

黑夜给了我黑色的眼睛——《走走停停》 不畏张弓拔刀，唯畏白堕春醪。

若饮此杯，便没有辜负那个擦肩而过的春天。

一、卖豆浆的小店冒着热气——妹妹，哥哥和秀才清早上火车站长街黑暗无行人卖豆浆的小店冒着热气《从前慢》木心吴双（金靖）曹哥（甘昀宸）李远（刘钧） 整个电影最先打动我的是那热气，那种司空见惯却包裹我们不受伤害的热气。

那种热气唾手可得，所以我们会忘记如果离开这种热气太久，也会枯萎。

小城的热气和北京的热气自然不同。

妹妹脚踏实地开出租十年，和这种热气朝夕相伴，她逐渐进化到“闭嘴”和“滚”的区间。

从北京回来的哥哥大吃特吃，她眼梢上挑：还是那个不管不顾的哥哥，这种讨厌不是“似是故人来”，而是“就是故人来”。

在哥哥离开的这段日子里，她和妈妈该不止一次经历老吴近乎撒娇的掀桌，从措不及防杯盘狼藉，到兔起鹘落抽碟挪碗，梯云纵下把桌子安排到明明白白。

这个家不能只靠妈妈缝缝补补，她习惯了一事无成，也习惯了父母在，不远游。

曹哥可谓戏场看淡，不服也不干。

默默出工，静静等待。

被忽然叫停项目波澜不惊，镜头下的搔首弄姿也能做到八风不动。

但这样一个貌似死水的小镇青年却斩钉截铁：“器材不借，要借人一起借”。

这样不惊不乍的精神小伙也会指着摆弄手机的电影人：补拍敢不叫我。

我们都有梦想，我们的梦想里得有这样的人组成我们。

李远是十里八乡的俊后生，台柱子。

在厕所接到开戏的通告类似祖国终于想起我，祖国还是需要我：每天都有档期，可以解决赞助。

这个类似流量主播的前演员拿出了厚厚一叠人物小传，不动声色摸着手指上的油污赞叹到：这个电影的美术做得不错。

风吹鸡蛋壳，假发被掀掉的时候是否安乐不置可否。

但风也好，水里的假发也好，都在让我们讪笑之余，记得这位李老师兢兢业业已成习惯。

照顾家的习惯，对工作专业度的习惯，对演员自尊的习惯，这些习惯让我们逐渐忘记这不是电影，因为这些习惯我们是如此熟悉，熟悉的就如街边豆浆冒着的热气。

二、我如果爱你——江美玲（岳红）我如果爱你绝不像攀援的凌霄花，《致橡树》舒婷李远老师试图在剧本里加上朗诵《致橡树》这段戏，被严肃拒绝。

但不得不说，这首诗很适合美丽的妈妈。

“你当年没有去考北舞，有没有后悔”“有啥后悔的”作为一个唯一听出爵士乐的姑娘，妈妈的见识可谓如冰山一角。

可现在的妈妈早已不跳舞，家长里短，丈夫儿女。

她在做饭，在晾衣服，在应付庸碌无常的生活。

她舍不得钱去蹭商城的按摩椅样机，哪怕知道会被指指点点。

她知道丈夫藏私房钱的地方，知道儿子回来不过就是四处碰壁，她知道在近乎可笑的男人自尊心面前。

她得默默负重前行，还得装得云淡风轻。

妈妈什么都懂，什么都会，什么都如此不紧不慢。

但还是在有风的午后慨叹：这么美的地方，如果不拍这个电影，也许不会来。

她美得如此自给自足，不因为谁。

三、春暖花开——吴明发（周野芒）愿你在尘世获得幸福我只愿面朝大海，春暖花开《面朝大海，春暖花开》 海子老吴满嘴踏踏实实做事，必有回报。

所谓平生不会求人的倨傲，所谓还好把事做成的自矜，在儿子的轻飘飘一句话面前瞬间爆燃：我已经把那份工作推了。

他想砸碗，被拿走；他想掀桌，被摁住。

他试图用狂怒来转移自己的无能，“狂怒”无法发作，“无能”水落石出。

让这一切发酵的是儿子竟然并没有就此无所事事（如果那样他也会生气，但多少会有种你不听我话，果然吃了苦头的高兴），拍起了电影。

电影这个有什么用？

看那么多电影没用，竟然还要拍一个没什么用的电影。

一切都是无用的，他其实最怕被说自己才最最无用。

这个有用无用的焦虑困扰了老吴终身。

但他至少知道妻子是如此有用，他的生活从来因此井井有条，从来不用吃煎糊的荷包蛋。

所以他会缓缓换装：你妈妈最讨厌做事情半途而废。

最后，他和妻子一起面朝大海，春暖花开。

他再也不用去想什么是有用的，什么无用。

四、梅花便落满了南山——冯柳柳（高圆圆）只要想起一生中后悔的事梅花便落满了南山《镜中》张枣 高圆圆的美让一切变得理所当然。

“你竟然还记得我的生日”变得如此受宠若惊。

相对于早早离开小镇的男同学，女同学在老家结婚生子，做一份自己觉得有主张的工作。

死水微澜，掉进了一把葱。

从开始可怜对方一直把“葱葱”误以为“聪聪”开始，她觉得这样的“回归”是否值得，自己这么多年在原地驻足是否明智。

这些所有的情绪缠绕在一起，就变成了我要做一件我知道我在做什么的事情：见自己，见天地，见众生。

她从红尘走过。

无论是最后的出走，还是三年之后的擦肩而过，她似乎已经全然知晓，她似乎已经如释重负。

她已经和他借着别人的话说过：【跟你做朋友我挺开心的】。

也许写给你的信早扔掉，这样才好，因为她始终没有给他写过那封信。

梅花也好，后悔也好，都要忘掉。

五、黑夜给了我黑色的眼睛——吴迪（胡歌）黑夜给了我黑色的眼睛，我却用它寻找光明。

《一代人》顾城莫欺少年穷，莫欺中年穷，莫欺老年穷。

网络小说有个流派叫做废柴流（和退婚流高度重合）。

吴迪开局便是退婚（同居女友扬长而去也算），然后一事无成打道回府。

手不能提肩不能扛，吃得又多，默默接受上铺。

这样的人还能和街头的小孩玩得哈哈大笑，也能和路边的老伯一起排队领鸡蛋没羞没臊。

这样的人没有逆袭，没有奋发图强。

似乎就会如此过着一眼躺平到底的生活。

毕竟他一直觉得这种生活如此恐惧。

毕竟他其实并不知道想要什么生活。

他发觉自己并不知道妈妈。

他发觉自己并不知道爸爸。

他发觉资金并不知道她。

（妹妹低气压凝视）倒转红轮，平生只喜好吃懒做，也不是。

他会落寞，他会怅惘：他躺在五折后的按摩椅上笑了起来，好像再次见到妈妈；他听到爸爸原来对自己的文章也蛮喜欢的，可惜没有后来；他看着她，笑了，她也笑了。

他望着她，然后装着不知道她也望着他。

日子就这么停一会，又开始走。

黑夜让一切变得糟糕和颓废，但黑夜也的确给了眼睛。

但，不去寻找，也蛮好的。

六、如何让你遇见我——聊聊爱情如何让你遇见我在我最美丽的时刻席慕蓉《一棵开花的树》这是一部没有描写具体爱情的爱情电影。

I think love is a touch and yet not a touch，爱是想触碰又收回的手。

而这个故事里，连触碰都没有。

那个会自顾自放爵士乐的人，那个按摩医生，还有两个都会做棒冰的老夫老妻。

还有好久不见的他和她，终于不如不见。

他们都在不同的时刻，和谁相遇，和谁再也不见。

他们都曾见过那个最美的时刻。

走走停停，这些时刻，都已经东西永隔如参商。

故事讲完，酒亦饮尽。

我还活着呐，这个电影，和遇见这个电影的我，都是满分。

节奏舒缓，滤镜柔和，观感舒适的一部轻喜剧，选入本电影群每周观影计划。

影片从头到尾都在探讨人生价值应该是什么样的。

青年编剧吴迪（胡歌）从北京溜回老家，这在世俗人眼中是失败的人生。

影片前面爸爸说，“是金子，在哪里都是金子；是坨屎，在哪里都是坨屎”，把人的价值和事业成功与否绑定在一起，成功了就是金子，失败了就是屎。

显然在他眼中，吴迪失败了，是坨屎。

但妈妈在最后给出不一样的答案，“成功不见得是金子，失败也不见得是屎。

混得好混得差都是别人嘴上说说，自己晓得自己是什么人就行了”，也就是说，人的价值不能用事业的成功、失败来衡量。

妈妈还举了肖叔叔的例子，“他这辈子看起来好像不是很成功，但是我们都很怀念这个人”，这是在说，人们怀念一个人，是因为这个人有价值，而不是因为他成功与否。

人生价值不关成与败，在探索这个哲思的过程中，我们看到了吴迪的不同表现。

影片前半程，刚回到家乡，吴迪遇到高中同学冯柳柳（高圆圆）时的落魄，拍摄影片时，在冯柳柳镜头前的死要面子，都刻画得惟妙惟肖，令人会心一笑。

影片后半程，妈妈拍戏时突然去世，以此为转折，通过回忆和现实交织的方式，揭示上面的哲思。

而一直反对拍摄影片的爸爸，为了完成妈妈未竟的拍摄，亲自扮演妈妈，完成背影补拍，代表他的观念转变。

看到最后彩蛋吴迪拍摄的影片，妈妈的角色真的拿到了电影节新人奖，作为观众的我有眼泪涌出。

英文片名“Gold or Shit”的意思，至此已经不言而喻了。

影片还讲了生活中其他的事，比如冯柳柳策划、掌镜拍摄吴迪拍电影的过程，制作了一部纪录片，结果纪录片获奖了。

领奖的却是主任，冯柳柳竹篮打水一场空，这反映赤裸裸的社会现实。

吴迪对冯柳柳有微妙的情愫，却没有表达出来，最后冯柳柳和别人在一起了。

人生有很多讽刺的事和遗憾的事，但终归要往前走。

停停走走，走走停停。

在B站上看完，就挺后悔去年没有给这么优秀的电影贡献票房。

前半段还只是抖小机灵，向小津安二郎和伍迪艾伦的“致敬”，都以画幅和名字这么几乎有些刻意的方式表现出来，看起来倒也喜剧效果满满。

有人在说后半段是是枝裕和，但这绝不是模仿。

我觉得导演和编剧是真的抓到了中国人情绪（亲情、爱情、还有事业心）的核心。

一家四口重庆人各自的坚实的温柔的情绪，只有一个感受力满分的川渝导演+编剧才能拿捏的如此到位。

在最后，几乎每条线都并不给你俗套的happy ending，都是一些事与愿违；然后每一条事与愿违之后的角色都含着一些伟大的情感，是母子情深，是夫妻之爱，是对新闻对电影的心底里的执着。

我总是抱怨中国的文艺作品缺少个人叙事，缺少每个普通人的故事，于是在这样的结尾处，真是要忍不住为每一个人生的精彩演出而鼓掌，为这对年轻的导演/编剧组合而鼓掌。