更衣人偶坠入爱河第二季

看看豆瓣里这些恶评吧，我觉得跟D音评论区如出一辙了已经，没有对电影的赏析，都是带着偏见的恶意吐槽，是抓着一星半点就无限放大的片面解读，是门外汉凭着主观臆断指点江山，就像对着火箭高喊“怎么不烧煤”般荒唐可笑，满是对创作的轻慢和认知的浅薄。

《太阳照常升起》《让子弹飞》被说过分解读，我能理解。

毕竟大家刚接触姜文的电影。

《一步之遥》《邪不压正》被恶评也能说得过去，确实放飞自我了，里面的东西晦涩难懂。

这次《你行！

你上！

》已经是在把明线剧情讲好的讲完整的基础上，就差把暗线也摆在明面上了，为什么还会有各种各样的声音说看不懂啊什么的呢？

D音K手上可以有这种声音，能理解，豆瓣不应该啊？

豆瓣里面的基础受众不应该是有着大量阅片量的用户吗？

无论是从镜头语言，叙事结构，视觉美术以及音乐等等都能够看出来这电影里面有东西的吧？

哪怕是没看过姜文电影的，只要是看过百大的都能有感觉吧，至少像我一样，看不懂具体指向，但也知道这里面有学问的吧？

怎么还有✊师到影评里来讨论什么男凝和爹的问题的呢？

这TM跟电影相关吗？

更离谱的还有人说电影吵闹，难道钢琴演奏的音乐在耳朵里就是梆梆响，没有任何旋律和律动嘛？

谁家喜剧不是闹腾起来的？

动物世界还得剪的有主角塑造，有动机，有冲突，有目标...才能好看吧？

嗯？

明暗线结合的电影很多啊，不是说看姜文的电影就一定要去解读些什么，而且所有导演都是像写作文一样，借着故事去讲述自己的观点，这才是这种文化产业存在的意义啊！

少年派、盗梦空间、星际穿越、阿甘正传、寄生虫、异形......这些作品不都是有着导演在故事外想要表达的东西嘛？

不都是明暗线合着来讲的吗？

不都是各种象征隐喻，怎么到那里就是一顿舔，回过头来看自己的家的故事就装聋作哑了？

抛开这些不谈，这部电影的暗线和明线也不冲突啊😦就把脑子🧠扔了，我就是来看个热闹的心态来的，光看明线也是承转起合都能看懂的吧？

也没有缺胳膊少腿，至少也不该是1星差评啊？

我真的觉得在互联网普及的今天，人们对于好的东西定义越来越奇怪了。

你看不到的东西不代表就不存在？

就是别人过度解读？

不要说那些反智的言论了，多看看优秀的电影吧！

导演每一个画面里的信息，每一个台词，音乐，都不是多余的。

既然你不懂，你自己愿意活在黑匣子里，就不要对那些把光撒进来的人恶意嘲讽！

要感谢那些解读和科普的视频以及解说的，因为他们可以让你知道你的不足，够让你明白：“原来还有这么多东西是你不知道的。

” 姜文说过，不要瞧不起俗人，等后面他们成长了以后才会明白当初老姜没有对不起他们。

可能当时的他没想过，现在是俗人+反智主义占据着互联网大部分音量吧。

不是你上你就行的时代了，再好的东西倒进这个垃圾桶里也要沾点吐沫。

看完点映本以为这次怎么说也应该是爆了的电影，回头一看豆瓣都是莫名其妙的恶评，真的感觉悲哀啊... 哪里还有净土啊！

我不想谈这部电影中可能的政治隐喻，或者谈论围绕这种隐喻的内容甚至是否存在而不断互文的语言游戏（饺子-醋辩证法）。

如果说反讽态度的典范性定义是“说话者有意识地从自身表达的内容中抽身或拉开距离”，那么这部的隐喻和符号解读，从创作者到部分观众，从一开始就陷入了反讽逻辑的无限退行——创作者一方面将某些暗示抛的比较显白，又不愿、或者无法声张这些隐喻的所有权，将其作为诱饵抛给怡然自得的听众。

而听众反过来又利用这种模糊性来获得某种类似打擦边球的快感。

抛开这些不谈，《你行！

你上！

》在电影语言和技术的角度是非常质朴，或者说，是粗糙（粗鄙？

）的，这大概是他强调电影“文本性”审美路线最终的逻辑终点——一部“漫画式”的，可以被观众翻阅的视觉小说。

本作的大部分情节都发生在布置的非常局促的内景，镜头中人物（尤其是姜文饰演的朗爸）又几乎占据了全部空间。

为数不多的外景往往刻意做出话剧和舞台剧中道具背景的质感，切换场景时又大量使用类似报幕的文字。

换句话说，这是一部几乎完全靠分析文字和对白就可以解读出大部分意图和表达的电影作品，没有对专业的电影语言门槛提出太高要求。

不少观众对这部电影表达主题的第一反应是“伸张男性气质与爹味”。

然而这部电影中除了姜文之外的男性形象是非常可疑的——名义上的第一男主角朗朗是个除了弹琴就不会做任何决定，遇到困难只会喊爸的依附者；朗朗在成才路上的老师要么是精神不坚定地女性，要么是蝇营狗苟、墨守成规的阻挠者。

古往今来，塑造男性气质和形象，离不开他所要克服的困难。

从伊利亚特到史记，最为动人的英雄全都离不开为他塑造的旗鼓相当的敌手。

这些敌手要么是具体的敌人，要么是抽象化的环境或命运。

《你行你上》中作为朗爸对立面的具体人物缺乏反派英雄气质，从而也没能立起主角的宏伟恢弘；而突破抽象的“环境与命运”的方向也描写的十分粗糙和浅薄，翻来覆去只会用“宁愿扰民也坚持练琴”这一个情节和意象来象征朗朗走向大师之路上遇到的非具体人际关系的困境。

登山运动员的英雄主义来自于追求那座就在那里的“山”，这部电影却没有令人信服的塑造出“山”的形象。

离开了这些有质量的对立面，电影中郎爸的男性气质也就一并被拉低了形象的天花板。

这大概并不是因为姜文缺少塑造具有男性英雄气质角色的能力或经验。

《让子弹飞》中的张牧之在大部分时候是沉着、内敛的，他的对手黄四郎尽管阴险狡诈，但却不失枭雄气质。

张麻子可以临危不乱，是因为他有智慧、力量和意志，这是最经典的塑造高大全英雄形象的手法。

据此，我们只能假定，《你行你上》中郎爸形象的塑造是富有自觉的艺术选择。

他反映的是一种更为原型的焦虑，以及这种焦虑背后的病理学。

这部作品与其说是在表达创作者内心雄性躁动和父职渴望地无意识肿胀，不如说是在有意识地试图应对和处理私人与（公共）的男性与父亲的怀疑论与自我怀疑论。

外部世界的公共视角如何安置父亲和男性？

主体自身又如何安置自己的父亲性和男性性？

这个疑问与惶恐在电影开头第一段台词中就得到了体现。

姜文必定觉得它无比重要，以至于整整几分钟的场景原封不动地又演了一遍。

其中，愤怒地少年朗朗质问父亲，难道能够弹琴的是他朗朗而不是你朗爸？

难道可以教我弹琴、带我走职业道路的不是我的老师？

难道你不只是个吃软饭的男的？

这戳到了郎爸的痛点，以至于让他在电影中唯一一次真的肢体上扇了儿子一耳光。

（另一次接近肢体暴力的场景是在美国的时候，朗朗想让他作为朋友而不是父亲陪伴，朗爸演了几分钟之后憋不住了，大发雷霆。

） 最为自信和有效的信念往往是根本不会被察觉到的信念。

鱼如果有思维能力，大概率并不会发展出某种关于水的实在论；我们人类在日常生活中也不会探讨关于空气和重力的实在论。

某个议题引起注意（salience）恰恰意味着它的合法性与实在性受到威胁。

陀思妥耶夫斯基不断在作品中强调信仰和基督之爱的重要，正是因为他所处的19世纪后半的圣彼得堡社会中，虚无主义与传统价值观的瓦解是一种更加紧迫和坚固的“实在”。

恐惧和厌恶这一“实在”的人就召唤出某种我们只能称之为绝断论与行动论的意志来加以对抗。

自认是反对虚无主义和相对主义的传统实在的捍卫着的人，却拿起对手的武器来战斗，这其中的讽刺乃至虚伪，也为存在主义/荒谬主义追求试图融贯和整全地解决现代社会意义危机的使命提供了命题与动机。

同样的，在这部电影中，郎爸与他的儿子以及儿子的外部协助者之间权力关系的倒转以一种野蛮事实（brutal fact）般的存在方式威胁着他的公共地位与自我理解，构成了这个角色在整部作品中无时无刻需要克服和面对的存在焦虑。

张牧之作为一个“古典”英雄，同时掌控着智慧、力量、还有意志。

而朗国仁想要坚守父亲的身份，却要面对智慧（钢琴的专业技巧与职业理解）和力量（朗朗的天赋和不断成长的生理上的身体）越来越不站在他这一边的事实。

隔在朗爸和自我身份瓦解的虚无中的有且只有一件东西，那就是意志。

郎爸把自己的一切内在和外在的存在都建立在“钢琴家朗朗的父亲”这个身份上，有意识且决绝地放弃了自己独立的社会身份与家庭身份，向单位递交了辞职信、和妻子分居两地，只为了把儿子鸡成世界第一而努力。

当朗朗考进美国的音乐学院被告知今后的职业不再是比赛和争胜负之后，郎爸表现出无尽的失落与空虚。

据此，我们有了一个经典甚至老套的存在主义式的舞台布置：主体无根基的意志与完全异化甚至敌对的“世界”之间的戏剧张力。

意志拒绝向世界妥协，因为这意味着其自身的消亡，另一方面，世界又不能被意志魔法般改变（will it away） 。

当代编剧的第一种惯常套路是走向某种庸俗化的黑格尔式和解：意志在坚持自身的本身也意识到自己的局限性，在新的、改革了的自我理解中，与通过种种方式同样改革了的世界实现和解。

我们观众的大白话一般称之为人物弧光或者结局包饺子。

第二种惯常套路则是庸俗化的尼采式和解：“世界并不真实，只有意志真实，而没有人的意志比我更加庞大（ft.人类帝皇）” 意志的顽强被表征为具体的力量和智慧，我们因此沉浸在超人的《钢铁之躯》中无法自拔。

《你行！

你上！

》似乎是有意识地避免了这两条最成熟的剧本路线，剧中的台词也在反复强调保险的打法并不能令姜文/朗爸满意。

他没有安排郎爸有所谓成长的人物弧光，与世界和解；也没有更具体地展现郎爸实质性的智慧和力量（除了那场莫名其妙的二胡伴奏以及说他曾经考沈阳音乐学校第一名），而是从头到尾都在为“乡巴佬”、“疯狂”、甚至“不要脸”而自豪——无根据的、原初的权力意志喷薄爆发，参与进生存竞争的搏杀之中——表面上看这似乎又是在走《爆裂鼓手》的路线。

此时，本作又一次回到了前面提到的某种根本性的尴尬：电影中的朗国仁所奋斗的世界，是一个幼儿绘本的世界。

我们的英雄所面临的困难和敌手，全都是AI生成的纸片人和电风扇制造的风暴。

他带着自己的挂件儿子，在这个纸糊的世界里一路疯狂呐喊打鸡血，终于成功成为某个尼古拉（？

）的替代品。

作为一个土生土长的东北人，我真是被这部《你行你上》气到脑仁疼！

本来冲着郎朗传记片和马丽的喜剧功底买票，结果在天津某影院坐了144分钟如坐针毡，散场时只想大喊：退票！

这60块钱两个人的票钱，不如买两斤锅包肉喂狗都比这强！

一、塑料东北话暴击：姜文你这是在侮辱东北人！

主演姜文饰演的郎朗父亲郎国任，全程操着一口“北京胡同+小品式”的塑料东北话，听得人脚趾抠出三室一厅。

什么“咋地”“啥玩意儿”被他刻意拉长尾音，生硬得像在背台词，完全没有东北人说话的自然流畅感。

东北观众当场吐槽：“这口音比春晚小品还浮夸，姜文是不是以为东北话就是‘嗷唠一嗓子’？

”更讽刺的是，明明有于和伟这种抚顺籍实力派演员，导演偏要自己硬上，结果把沈阳父亲演成了北京痞子，这选角简直是对东北观众的智商侮辱！

二、零笑点喜剧：拿东北话当遮羞布，导演你是在搞笑吗？

打着喜剧旗号的《你行你上》，全片笑点全靠生硬的东北方言堆砌，结果冷场次数比正片时长还多。

马丽饰演的母亲角色全程表情僵硬，除了大喊“吃粑粑了”抽耳光外毫无亮点，完全看不到《夏洛特烦恼》里的灵动。

更离谱的是，电影居然用“讨论红绿灯走不走”这种弱智桥段水时长，一群人在马路上吵了十分钟，最后得出“绿灯走红灯停”的结论——这是把观众当幼儿园小孩耍吗？

三、剧情稀碎：传记片拍成政治隐喻大杂烩，姜文你清醒一点！

好好的郎朗成长史被拍成了“姜文式自嗨”，大量生硬插入的政治隐喻看得人一头雾水。

比如何赛飞饰演的“欧亚老师”突然发疯撕照片，暗示苏联解体；葛优饰演的老师全程划水，暗指西方列强……这些强行拔高的“深度”让故事主线支离破碎。

最让人愤怒的是，电影将郎朗现实中感恩的恩师们塑造成贪财、刻薄的小丑形象，这种对真实人物的抹黑已经不是艺术加工，而是道德败坏！

四、马丽晚节不保：为了钱接这种烂片，你的底线呢？

曾经的喜剧女王马丽这次彻底翻车，饰演的母亲角色毫无存在感。

镜头扫过她呆滞的脸时，影院甚至传来“她是不是面瘫了”的窃窃私语。

更让人无语的是，她和姜文的“夫妻调情”戏份尴尬到极点，两人完全没有化学反应，仿佛在完成任务。

有观众一针见血：“马丽这是接了多少网贷，才会沦落到拍这种洗钱片？

” 五、票价血亏：60块钱买两斤排骨它不香吗？

散场时听到最多的抱怨就是“不值票价”。

电影全程靠五毛特效撑场面，钢琴演奏会的“声光电轰炸”像极了乡镇晚会。

对比隔壁《长安的荔枝》的口碑和票房，《你行你上》简直是暑期档的毒瘤。

有观众调侃：“这片应该改名叫《你钱多你上》，反正我是不会再给姜文的自恋买单了！

” 总结：姜文这次彻底玩砸了！

从《让子弹飞》的辉煌到《你行你上》的惨败，姜文用七年时间证明：当导演的自恋凌驾于观众智商之上，再华丽的镜头和隐喻都是空中楼阁。

如果你是东北人，这部电影会让你血压飙升；如果你是普通观众，它会让你怀疑人生。

听我一句劝：这60块钱省下来买斤排骨炖酸菜，都比在影院遭罪强！

抵制《你行你上》，从你我做起！

不论是从演员层面还是导演层面，我都是姜文的影迷，他演的《有话好好说》《红高粱》，我喜欢;他导的《鬼子来了》《阳光灿烂的日子》，我很喜欢;《让子弹飞》，我超爱。

但是对于《你行你上》，我只能说:难看，很难看。

《邪不压正》后，姜文7年时间没有执导过电影，不知道是不是这7年时间憋的太久了，有太多的话想说，才让《你行你上》从第一分钟到结尾，都充斥着密集且聒噪的对话。

而且伴随着密集对话出现的，是同样密集的正反打，整部影片给我的感觉就是在晃荡，在轰炸。

其实对话密集本不是什么特别严重的问题，问题是电影里密集的对话中并没有什么有营养的信息，更多的是一句话同一个意思翻来覆去的说，就比如一个吃软饭吃yuan饭，能颠过来倒过去说四五遍，这样的对话又有多大意义呢？

再来说电影的故事和节奏。

电影的情节不客气的说就是在记流水账，我在很早很早以前就看过郎朗的自传，书里的内容和电影中的基本一致。

郎朗一路走来也确实比较顺利，因为他的天赋和努力程度都是最顶级的，但这是在拍电影啊，如果没有起承转合，没有从某一个角度深挖人物弧光，只是从头到尾复述一遍主人公的经历，那我还不如去看纪录片，起码那个更真实。

电影的节奏也是完全崩掉，整部电影给人的感觉就是急躁与亢奋，不停地推进推进，毫无节制地加速推进。

在这样的节奏下，演员们也都或多或少像打了鸡血一样，特别是两位主要人物郎国任和郎朗，我感觉整部电影里这两个人都没有好好说过话，只要开口就是在喊，演员演的累不累我不知道，我是看的挺累的。

在这样的节奏和氛围里，想要塑造一个比较丰富的人物形象显然不太容易，配角如走马灯一样的切换，每个角色都很模糊，一带而过。

另外，不管电影是不是一部“真正”的郎朗传记电影，但起码是借着人家作为由头来拍的吧，那给郎朗塑造一个正面一点的形象也不为过吧，但是电影里的郎朗，毫无魅力可言。

最后来说说所谓的“隐喻”问题。

我只是一个普通的观众，一个俗人，我没有从《你行你上》里看出什么特别的隐喻，如果有“电影盯帧”工作者从某个一闪而过的镜头或者极其隐蔽的角落里又发现了什么天大的秘密，我也乐于倾听并承认我没看懂姜文。

但我始终认为，电影应该是雅俗共赏的，而不是故弄玄虚。

一个好的表达者，一个意见领袖所说的话，应该是让普罗大众都能听明白的大白话，而不是打哑迷。

一部电影有隐喻是没有问题的，但是这要建立在这部电影做到被大多数观众所理解和认可的基础上，建立在它符合公众认知的“好看”上。

而不是整部电影充斥着隐喻，但却连主体思想都没表达出来。

这就好比一个考生数学考了十几分，却逢人遍跟人炫耀说，你看我这几个“解”字写的多漂亮。

我很爱姜文，我很不喜欢《你行你上》。

可能子弹是姜文最后一部结构十分工整的作品了，后面的作品结构上的松散真的是越来越放飞自我。

老姜咱也不能只喝醋啊。

回到这部电影，关于被广泛批评的“爹味儿”吧，怎么说呢？

对，也不对。

不对吧，是因为郎爸在这片子里不是英雄那仁慈又残暴的天父，这片儿郎爸才是主角，其他所有人都是郎爸的附属或外部压力，包括朗朗，我不知道朗朗本人对一个大事小事都张大嘴喊爸的“朗朗”有没有意见。

不过既然朗朗都署名了，应该是没太大意见的。

但是问题来了，这个片儿谁来走这条“英雄之路”，朗朗吗？

抱歉他是附庸，所有的重要决定都是郎爸做出的。

那这条“英雄之路”该由郎爸走吗？

可他的人物弧光几乎没有变化。

马小军在青春的道路上不断地体验幻想与残酷与现实，马大三和花屋小三郎在相处中重新认识彼此并揭露战争的荒唐。

郎爸又不负责成长，朗朗又不推动剧情，朗朗也没成长啊，还是说，你想告诉我，朗朗快结尾处叛逆了不要他爹而最后又回归父亲的怀抱那算成长？

大哥那一共不到十分钟，十分钟完成“踏上旅途”和“返璞归真”是不是太速成了？

所以最后造成的观感就是，父子作为整体，不断打怪升级，你会和马里奥共情吗？

我知道你面临的外部压力是层层递进的，各有各的代表，十年伤痛、买办、垄断资本，醋嘛。

还是那句话，“朗朗父子”从电影开头到结尾，除了琴技变了外到底发生了什么变化。

郭靖从开始到结尾变得只有武功吗？

《你行！

你上！

》很好看，如果硬要一句话让人看懂它，那就是 “郎朗版的阿甘正传”，接 “郎朗”这个人的故事，讲中国在改革开放过程中的时代变迁。

电影语言非常姜文。

只不过不那么喜欢姜文风格的朋友，不见得受得住他那魔幻现实主义表达手法的轰炸。

这次魔幻现实主义的强度，接近当初的《一步之遥》，节奏上没有《一步之遥》那么激进，但技巧之娴熟有过之而无不及。

我先举一个例子：郎朗父母把郎朗带到北京的小房间时，两个人在讨论规划的时候，背景里的小郎朗一直边弹钢琴边旋转。

那琴凭什么带着个人自己转圈圈呢？

这一幕堪比 《一步之遥》里马走日见武六，推开书房就来到了邮轮上。

姜文不断利用观众视听焦点之外的空间，用 “不可能存在” 的奇幻方式来传递讯息。

简单来说，导演一直在用超现实的台词和镜头，给观众营造一种致幻的抽离感；用来剥离观众对剧情的理性思考，而在感受上做传递。

这样一些不方便明讲，不需要明讲的讯息，反而能更丰满地传递出来。

魔幻现实主义和音乐这个主题又是契合的，音乐本身是一种语言，里面有高山流水，也有下里巴人；有缱绻眷恋、也有心碎欲绝；有金刚怒目，也有危机四伏。

大部分人虽然听不懂，但能感受得到。

姜文的电影就是这样，如梦似幻，他想要让你听不懂，但感受得到。

当你意识到他的这些小技巧时，就能捕捉到大量有效的讯息，传递着姜文不爱直白去讲的内容。

比如邻居因为郎朗弹钢琴扰民报警，警察来见郎国任时，背景里练琴的郎朗弹的应该是 《血染的风采》，结果北京警察一看他的身份，马上就亲如兄弟，把郎朗当儿子。

电影一句台词不用，就把一套人物关系讲清楚了。

又比如电影里郎朗离开国家去求学时，被升降机吊在空中给几栋楼的人弹琴，弹的不是外国人的经典名曲，而是 《浏阳河》、《黄河大合唱》。

从 现实中郎朗 也演出过浏阳河、黄河协奏曲，化用到他出国前的这一幕；在浏阳河出了个什么人之后，几栋楼的人合唱风在吼，马在叫，这意思也是再清楚不过了。

整部电影到处都是这种表达手法，郎朗都成年了，他爸打电话回家还是用转盘座机接电话，他妈妈（马丽饰演）永远是坐在话务机前接线的电话工；最后郎朗演出时镜头扫过的老师们，全部是郎朗童年时的样子。

而且这部电影明明原著是郎朗的自传，可主角郎朗就是一个虎娃，傻愣愣的，根本不让观众带入他的情感和思考。

所有镜头语言都在解构 “郎朗” 这个主角的主体性，而电影真正让观众带入的是郎朗的父亲郎国任，也就是 “郎朗的命运和历史定位，应该是什么” 这个视角。

导演用电影视听语言制造这种抽离感，背后想要谈论的严肃主题是什么呢？

以往的姜文电影，主题晦涩，我们还需要猜，这次《你行！

你上！

》完全不用猜，实在是太明显了。

这就是中国在改革开放后的探索之路。

都没啥隐喻，都是明喻了。

“郎朗” 隐喻着中国的未来，“钢琴” 这个舶来品，则隐喻着 “工业化”。

电影从父母第一次送郎朗去学钢琴开始，用仰拍镜头呈现了大雪纷飞中的毛主席挥手像的正面，郎朗父子在毛主席像的指导下前进。

后来学琴遇挫，郎朗父子又在大雪纷飞中，在毛主席挥手像的背面，背着他老人家走了回头路。

这个隐喻，和电影《钢的琴》也是一脉相承的。

一个行将破败的东北工厂，一群下岗职工，在厕所里开组织生活会，讨论钢琴天才郎朗的前途。

最重要的结论是，“郎朗” 学 “钢琴”，不能由他爹这个拉二胡的人来教。

电影里郎朗的第一任老师，在改革开放初期，那个精英人才拼命外逃到美国的时代背景下，抛下郎朗出国了。

电影不深究这一点，用 “我也要对孩子好” 这种喜剧的方式一笔带过。

郎朗的第二个老师，在某个 “打砸抢” 的时代被自己的学生批判了，她害怕郎朗也是这样的人，说郎朗 “手不适合弹钢琴”。

嗯……就像 “中国人不适合搞工业” 一样。

这是电影第一段的戏剧冲突——不教随着第三任、第四任老师帮助下，郎朗超过德国了，又超过日本了，电影进入了第二个关键的冲突：谁是 “郎朗” 的 “总设计师”，郎朗的成就是来自教他的 “伯乐们”，还是来自他的基因、他的勤奋？

接下来是电影的第三段戏剧冲突，“郎朗” 的上限在哪里？

在欧美人主导的 “钢琴” 世界里，华人是有天花板的，那天花板的上面是什么？

电影里的郎国任，牺牲自己的一切，只为了一件事。

这件事与其说是望子成龙，不如说是帮助他儿子打破一切第三方对他的定义，打破一切束缚他的边界。

这里既包括老师、也包括钢琴圈捧明星的经济逻辑、当然也包括他自己。

虽然郎朗一直和郎国任冲突不断，最终郎朗是 信任他父亲的。

用电影里的台词中，父子之间不能闹分裂。

那么郎国任隐喻的是什么，也呼之欲出了。

“你行！

你上！

” 的电影标题里没有问号。

这不是质疑，不是反问，而是 “你既然行就应该上”，是《邪不压正》里李天然有了自己儿子后应该说的话。

所以我说观众要快速理解这部电影是什么主题，把它理解成 阿甘正传就好了。

用一个虎头虎脑的傻小子的故事，勾串起一个大时代。

而且两部电影，都出自于各自国家，各不相同的保守主义价值观（无褒贬）。

这部电影是好看的。

至于它所反映出来的价值观，观众或有臧否，但问一句 “天花板上还有什么”，恐怕是大多数人都认可的吧？

我个人只是惊讶这部电影这么姜文 （魔幻现实主义手法），又这么不姜文 （过于直白）。

估计姜文到了今天这个江湖地位，思想已经摆脱了左右摇摆，找到了他感觉舒服的位置，可以相对尽情地做表达了吧。

别谁行了，姜文是真不行。

从来没看过会有人会把一部传记电影拍的如此吵闹烦人，还tm是姜文。

七年磨一剑磨出来的就是瘙痒，打着朗朗传记的幌子实际拍的满是姜文式的尴尬桥段词汇，任何简单易懂的文字非要给你整的跟谜语人似的故作深奥，表演比隔壁《戏台》都像舞台剧，什么饺子什么醋的，你馅就拌错了。

这真是一位功成名就的天才导演自恋自负放飞自我的完美呈现。

角色大杂烩，服装造型丑到爆，摄影美术风格混乱不堪毫无章法，尤其是这个东北口音，太太出戏了。

喜剧笑点尴尬，叙事节奏拖沓。

他如今的狂热粉丝群体就像是“宗教”般存在，基本盘构成的群体，等着“领袖”发号施令，最为之骄傲的“隐喻”戏码像小丑般滑稽，他们乐此不疲的做着所谓的阅读理解，无底线无下限的捧姜文臭脚。

姜郎才尽，烂炸了！

别上了，真不行看完《你行！

你上！

》之后，我想说你不行还是别上了。

如果说《让子弹飞》是建政荒诞剧，那么这部电影就是一个做旧的抖音拼接低智闹剧。

《你行！

你上！

》质量的崩盘使我终于不用打逆风局了，我终于可以大胆地说我讨厌“太阳”之后姜文所有的电影了，包括“民国三部曲”和这一部，天天在说什么“饺子”和“醋”，如果一个人的每一句话都叫“金句”那么那就不是“金句”，同理，一部只能靠所谓“隐喻”堆砌的电影，那还是“隐喻”吗？

更甚者说，那还算是电影吗？

长久以来，大家把姜文给抬到了一个不属于他的高度，而把他高高抬起的根源竟然是愈发膨胀的网络“红小将”的缘故。

当一部电影完全是所谓的“隐喻”的时候，就仿佛一个不会写作文的小孩在一直写排比句，就像朱自清可以写出《春》，而自作聪明的学生却写出了“牛毛！

细针！

下了！

”结果连一个基本的逻辑都给忽视掉了，姜文自“太阳”之后的电影正是如此，当然，我并不是说带有隐喻性和象征性的电影不好，比如《圣山》，比如《镜子》再比如姜文自己的《太阳照常升起》都是好电影，一部好的电影，可以有隐喻，可以是诗化的，可以是抽象的，形而上的，但是，一部电影一定要有它自身谦逊的表达，当佐杜洛夫斯基在《圣山》中把镜头由被摄主体转向摄影主体时，当《镜子》中被梦给魇在潮湿的房间中时，当“太阳”中疯妈站在火车上喊出“阿廖沙！

别害怕”的时候，我看到了现实与电影，历史与艺术的交融，而《你行！

你上》却像魔幻现实主义的喊口号，在狂妄自大中丧失了自我，仿佛在说：“我可是姜文！

”姜文自“子弹”的成功后变得越来越自大，越来越不谦卑，逐渐丧失掉了自己的才华，姜文拍出过我认为大陆最好的青春电影《阳光灿烂的日子》，他也拍出过我认为大陆二十一世纪到目前为止最好的电影《鬼子来了》，他也拍出了我认为难以企及高度的魔幻现实主义电影《太阳照常升起》，而现在，他沉浸于一堆“独特”的粉丝群体中，甚至拥有些类似于“邪教头目”的优越感当中。

（《让子弹飞》严格意义上可以定义为“邪典电影”，至于他的优越感，可以参考今年北影节的种种事迹）看完姜文的新作，我只想说，请姜大导演记起自己的老师是伟大的导演谢晋，请姜文的那些“子弹帮”的狂热粉丝再多看一些电影。

当然，如果还是说我这样激动算是姜文是包了饺子喂我这样的猪吃的话，我承认我是头猪，但我是吃过细糠的猪，其中有几部细糠还是姜文亲自拍出来的。

切勿沉溺于“阅读理解”，电影是一项综合的艺术，用姜文自己在《太阳照常升起》里的原台词来说就是“天鹅绒到底是什么？

那tm就是一块布！

”（我原本期待的李屏宾的摄影在这一部里完全就是平庸，我怀疑姜文把他请过来的主要目的就是来演“诸葛伯乐”的）

对于姜文的影迷来说，它仍然有不变的东西，即使今天是一个破鼓万人捶的口碑环境下，我也可以说它不是那种看了等于没看的电影。

但是失望的确也是到顶了，可以下一个结论：指望着北洋瘾过去能重新给这个市场带来一些惊喜，交出来的作品应该就是生涯最差。

对于路人观众来说，根本谈不上什么失望可言，因为看完也不会认为这是个在内地语境下多与众不同的导演，只是觉得闹腾。

不变的地方是他一直在讨论或者执迷的主题—成长。

《阳光灿烂的日子》里的马小军、《鬼子来了》里的马大三、《太阳照常升起》里的小儿子、《一步之遥》里的马走日、《邪不压正》里的李天然，他们都在混沌中出场，想解决一些问题：我是谁？

我要去哪儿？

我得怎么去？

在这些公认精彩或不精彩的作品中，这些人物总是在遇到了不同的人和不同的事后，开悟成人，成为真正意味上的“成人”。

马小军在有米兰的夏天成为了一个男人；马大三看到被“饲养”的鬼子“忘恩负义”终于拿起了军刀；小儿子在老唐的猎枪前明白了天鹅绒……这样的人物成长主题同样也延续到了本片。

一个沈阳的钢琴天才如何成长为日后震颤世界的钢琴家，一路上遇到了不同的老师，不同的大人。

当然，你也可以说，这是少年中国的成人之路。

沈老师和欧亚老师代表着一代人所经历过的特殊时期和境遇；诸葛伯乐确认郎朗堪称大材后迫不及待地想成为真正的“父亲”；美国人坚持“好饭不怕晚”只求让郎朗越晚出道越好。

经历了运动的清洗，苏联的帮扶，美国的压制，最后如郎国任“绝不能伤了孩子”的决心一般，都把“老师”给得罪了，靠着一股虎劲儿冲到最后的舞台。

塔吊把钢琴缓缓放下的时候，是郎朗第一次演奏咱们自己的曲子；二配跳水后，郎国任拿出自己那把二胡，让这个看起来浮夸而自信的父亲第一次伟岸了起来。

这两场戏算是少有地在观影过程中短暂遗忘其余不适部分的时刻。

上面唯独没提《让子弹飞》，因为张牧之本身就是明白自己使命带着弟兄们走马上任来的。

可能也正因如此，这是他所有作品里反响最好的。

这是他作品中难得的笃定与坚定。

依靠外力（他人的指导）长大成人的叙事在今天看很容易就产生对于说教的抗拒。

真正崩坏的是对于观众的敷衍。

无数网络上的访谈都在提及对于电影技术要求的不在意，但这跟说拍电影没有预算请客吃饭得吃顿好的难道不矛盾吗？

具体到作品本身就是，从《让子弹飞》伊始，后续每一部作品的摄影、美术、服装、打光全面倒退，一部比一部敷衍。

摄影基本没有全景，占大部分时间的都是传统过肩或者是特写；都是年代戏，置景也是全面向电视剧看齐，无数个剧组用过的那种清漆都涂不匀的建筑物能让你出无数次戏；人物表演因为那身儿横店租来的戏份大打折扣……这些跟特效比起来简直是小巫见大巫，绝对的灾难。

不是说因为是姜文，是任何一个导演按这样的标准出活儿都不能被原谅。

如果这些都是故意不在乎，那真正擅长的东西也在退步。

台词，喜欢他的不都好反复咂摸那些金句吗？

这一部是基本没有，过往作品中特别喜欢用车轱辘话去塑造人物性格和处境，现在只剩下车轱辘废话了。

整部电影呈现出来的真的就是聒噪，有效信息基本就是十几句话。

总之，还是推荐，刚好也是一个打破滤镜的好机会。

但我仍然还是相信，走向极端走向失控，他的电影始终不会无趣迂腐。

连着三部想看的电影撞上同一个档期，结果是最想看的《戏台》没看成，倒把《长安的荔枝》和《你行你上》给看了，都是对题材妥协的结果，历史和钢琴，一切为了孩子。

俩片放一块堆看，对比挺明显的，拿吃打比方，就好比俩厨子把热腾腾菜摆上桌，一双筷子立中间，就看你好哪口。

一道叫《长安的荔枝》，网红菜品，重油重盐，浓汁勾芡，看着就让人有食欲。

夹一块放嘴里，入口香腻，食材新鲜，古色古香，让人食指大动。

但再往下吃，有点不对劲，吃这口是颗枸杞还是啥？

怎么连白芷也进来了？

还有猴头（付航）？

不加这几味似乎也没啥变化。

再细品，怎么还有股子《年会不能停》的味儿，相比又太板正，前调愁中调喜后调悲都是流程下来的。

口味上没有惊喜，吃嘴里却有惊吓，这一口挺冲，似乎是芥末混装辣椒还不敢多放，准是这厨子想辣出你眼泪，下一口又咸了，盐粒子没拌开，难不成这厨子又想齁你，还有为啥两大勺油化不开，武侠打斗政斗煽情五味都淤在一堆，红绿时蔬就翻腾在盘面上，每口该吃啥啥反应安排得明明白白，吃到后来就偏腻偏厌。

总之，现成的菜谱，上等的食材，煲出一锅大乱炖的意思，做菜风格有点像我妈。

一道叫《你行你上》，食材就透着普通，钢琴、教育、父子关系，人人都知道那点事，比白灼都寡淡，好比炒白菜片，听名就不想吃。

再看配料，陈糠烂谷子的多年尘货，里面兴许还有不明所以的私货，根本不公开，吃到嘴里都不知道是啥玩意。

比起菜品，倒是做菜的厨子更有个性，就这玩意，爱吃不吃，吃了就得付钱，要站着把钱赚了。

看这片之前，就见全网的骂声，江郎才尽了，登味十足了，全程尴尬了，眼瞅这厨子就要跪着把钱亏了，心说这是怎么了，江湖真是变天了。

于是战战兢兢尝了一口，入口的一团也不知啥东西，反正一股浓郁的酱香味，涂了蜜似的黏稠。

先是以乐子打头，这厨子的一贯路数，最要紧的就是有趣，每局台词都透着股精雕细琢，没一句是按照常理说的，再细品，从表演到镜头到场景到剪辑，没一处白给的，左右、阶级、颜色、立场，被层次分明的味道裹着走，每咽一口下去胃里暖烘烘的，空碗放着都能闻半小时。

我不想细琢磨里面的所谓隐喻，肯定不只表面那点东西，同黄蓉为洪七公做的那道豆腐，中间下了多大功夫、多深的火候没人猜得到。

刚见名为欧亚的老师将郎朗扫地出门，以为这是把豆腐挖球放火腿里蒸的，下一段就觉得不对，不是这个味道。

又见总设计师要摆脱大师的控制，对老美慷慨陈词，就想往熟牛肉撒葱花上笼屉的方向上猜，转瞬又发现完全不对，不是那么个意思。

唯一能猜到的只有猜不到本身，只要你敢猜，就肯定让你猜不到。

这厨子的隐喻从来都是高级隐喻，不像管虎的《斗牛》，隐喻都摆在明面上很好猜。

一个人藏东西十个人找不到，这厨子的隐喻，从来都是搅碎了打散在汤里，原始食材可能根本就没几个人见过，比如蔡锷的某段经历，和长者的某次对话，个里乾坤稍作加工，根本没几个人看得出来本来面目，只能凭借几个人尽皆知的典故去生搬硬凑，硬要对号入座就成了乱点鸳鸯谱。

看电影不是猜谜大会，隐喻存在的价值，其实就是多几道食材，让口感更饱满，内容更丰富。

隐喻再多，也不能让吃饭变成上厕所。

所以猜不到也没关系，想猜谜的猜谜，想看戏的看戏，就当这道菜啥隐喻没有，也根本不妨碍它的好吃。

两个半小时的节奏无比顺畅，每个桥段看的人兴趣盎然，这厨子就是有把白菜片炒成凤髓龙肝的本事。

对比两片后由衷感慨，单纯努力，在纯粹天赋面前确实一文不值。